Robert Fripp: la disciplina hecha música

 

No es el lugar ni el momento de recordar la trayectoria de uno de los grupos más importantes de la historia del rock: King Crimson [KC]. Desde estas páginas ya se ha hecho y de una manera harto profusa (véase José Boix, «La Corte de los Milagros», Ruta 66, núm. 84, mayo 1993). Baste recordar un breve párrafo: «Ampulosos en ocasiones, casi siempre monumentalistas, Robert Fripp y sus súbditos del reino escarlata marcaron la pauta del art-rock británico conciliando la lírica psicodelia con un fructífero sentido del vanguardismo. Fueron la excepción de la regla sinfónica y durante casi dos décadas facturaron música imponente y arriesgada, no por pretenciosa menos significativa». Pero esto en cuanto a los años que van de 1968 a 1984, desde que KC se formó hasta que «hibernó» por tercera vez. El caso es que Crimson ha vuelto a renacer. Y esto hay que tenerlo en cuenta. Robert Fripp: la disciplina hecha música KC es -evidente a estas alturas de la historia del rock- un traje hecho a la medida de Robert Fripp. Fripp es el aglutinante, el catalizador, el motor… Es el que aparece en todas la formaciones desde el lejano 1969. KC es el medio utilizado por Robert Fripp para dar salida a un tipo de música que de ningún otro modo podría ver la luz, si no fuera bajo el nombre de KC. Cuando en 1974 Robert Fripp sentenció que «King Crimson ha dejado de existir», pocos daban un duro por él sin la banda. Poco a poco, cuando el paso del tiempo empieza a poner las cosas en el verdadero lugar que les corresponde, se empieza a crear el mito de KC, pero de Fripp, nada de nada. Por ejemplo, un disco que ahora, con el paso del tiempo, es considerado una pieza clave en la música electrónica de este final de siglo (ambient, techno…) cuando se editó (en 1973 y con el mejor KC en escena) casi pasó sin pena ni gloria y con pocos que entendieran de qué iba el asunto. Se trata de No Pussyfooting, de Fripp & Eno. «¿Cómo un guitarrista de tanta fama puede haberse unido a un tipo estrafalario, lleno de purpurina y rímel cuando tocaba los teclados en Roxy Music, para crear un disco tan monótono, lineal y aburrido?», se preguntó el personal. Fripp anunció, tras la desaparición de KC, que «el segundo nivel del camino es una organización pequeña, móvil, varias unidades inteligentemente entrelazadas para crear un marco que reemplace los dinosáuricos modelos de organización». Es decir, atrás deben quedar los «grandes grupos» (siempre se señala a Yes, a ELP y también a Genesis, pero había otros), las grandes discográficas y los grandes negocios, y su lugar lo deben ocupar pequeños grupos, unidades pequeñas, móviles… Pocos lo entendieron. Pero después surgió el punk y él mismo «creó» organizaciones pequeñas, móviles… Todas las entrevistas que daba -y que da- estaban plagadas de respuestas que, más que dar respuesta, lo que hacían era sentenciar a partir de la teorización de lo que ocurría en un mundo, el del rock, que pocos se lo tomaban en serio. Y él se lo tomaba muy en serio. Y se lo continúa tomando. Volvió a ser incomprendido con el segundo disco junto a Eno (Evening Star), pero empezó a ser respetado cuando colaboró en el primer disco de Peter Gabriel, cuando le produjo el segundo, cuando colaboró con David Bowie en Heroes, cuando produjo el primer disco en solitario de Daryl Hall (del dúo Hall & Oates) y cuando en Nueva York se hizo ver más de lo habitual en él, en actuaciones de Blondie (¡sí, Blondie!), de Talking Heads, de The Roches, de The B-52’s (¡sí, The B-52’s!)… Y en 1979 Fripp publicó su primer disco en solitario: Exposure, que debe ser considerado -en palabras del mismo Fripp- una autobiografía musical. Un disco en el que aparecen todas las características de la música de Robert Fripp (y de KC) y una larga lista de colaboradores: Barry Andrews (de XTC), Phil Collins, Brian Eno, Peter Gabriel, Daryl Hall, Peter Hammill, Tony Levin, Jerry Marotta, Terre Roche (de The Roches, grupo de folk-rock al que Fripp ha producido dos álbumes), Chris Stein (líder de Blondie, que hizo la portada de Exposure)… En los textos que acompañan a Exposure se exponen una serie de cuestiones a tener en cuenta: el álbum había de ser la tercera entrega de una trilogía «más orientada hacia el rock» y formada junto a Sacred Songs de Daryl Hall y Peter Gabriel II, pero «por el retraso de los dinosaurios» fue imposible que esta idea se llevara a cabo. Por lo tanto, Exposure pasó a ser el primer disco de otra trilogía (Drive to 1981), únicamente formada por obras de Fripp y que además estaría constituida por un disco de «frippertronics» y otro de «discotronics» (o «la experiencia musical resultante del intersticio entre los frippertronics y la música disco»). La verdad es que Drive to 1981 tuvo cinco capítulos: el primero, Exposure; el segundo, God Save The Queen (el disco de frippertronics), y el tercero, Under Heavy Manners (el de discotronics), acabarían como las dos caras del mismo disco; el cuarto, Let The Power Fall (un disco completo de frippertronics y que empieza donde termina God Save…); y el quinto, The League Of Gentlemen (un disco completo de discotronics y que empieza donde termina Under Heavy…), aparece firmado como grupo, un grupo que sólo duró una gira y un año y del que hace poco se ha publicado un CD en directo de aquella época: Thrang Thrang Gozinbulx. Drive to 1981 muestra, tras el paso de los años y tras las revisiones de todos los capítulos editados en forma de disco (Exposure se mantiene casi tal cual y los otros tres discos son revisados y remezclados en el elepé God Save The King), que detrás de las teorías que pululan por el cerebro de Robert Fripp hay toda una manera de entender la música que va desde lo más electrónico y los más experimental hasta lo más pop y rock, vistos desde un punto de vista comercial y sin perder una brizna de calidad. Exposure y God Save The King (éste visto como una antología revisada) son dos obras que muestran y demuestran de qué es capaz. Tras este periodo de 1977 a 1981, siguió el que Fripp llamó en principio Incline to 1984. Pero los planes se alteraron. El grupo que debía ser conocido como Discipline pasó a llamarse King Crimson, debido a la intensidad crimsoniana que transpiraba la música y el grupo. Así nació la conocida tercera etapa de KC. Una etapa que vuelve a demostrar qué ocurre siempre con sus discos : apreciados correctamente cuando han pasado algunos años desde que se editaron. Sólo hace falta escuchar Three Of A Perfect Pair. Antes de que Crimson volviera a dejar de existir (por tercera vez), entre disco y disco Robert Fripp tuvo tiempo de editar dos álbumes junto a Andy Summers, el guitarrista de The Police. Si antes fue Fripp quien colaboró con otros músicos y entonces fue respetado, ahora le toca el turno a Andy Summers. Los dos discos, I Advance Masked y Bewitched, muestran dos virtuosos de la guitarra y de multitud de instrumentos en plenitud de facultades a la hora de componer: todo tipo de influencias y todo tipo de estilos convergen en dos discos que hay que digerir con mucho cuidado por lo imprevisto de las composiciones: más allá de la New Age cuando aún no existía y más allá de la Lounge Music más hortera. Cuidado. Tras la tercera disolución de KC, Fripp se dedicó a «permitir que el futuro se presentara por sí mismo». Y el futuro se le presentó de dos maneras: los seminarios de Guitar Craft y la cantante Toyah, que se convirtió en su esposa. Como presidente del Instituto de Educación Contínua (una sociedad con sedes en Inglaterra y Estados Unidos y cuyo fundador, J.G. Bennett, aparece en discos de Fripp con peroratas del estilo «Es imposible conseguir placer sin sufrir»), Robert Fripp trabajó en la organización de unos seminarios de guitarra: Guitar Craft, que empezaron en 1985. Guitar Craft eran algo más que unos cursos de guitarra que iban de los más elemental a lo más profesional. En resumen y como conclusión a toda la filosofía de Guitar Craft: tocar la guitarra es algo intangible e incontrolable. La música tiene fuerza por sí misma, y lo único que tienen que hacer los músicos es dejarse llevar, aprendiendo a ser un instrumento sensible para que la música se manifieste a través suyo como si se tratara de un instrumento. Prueba de todo ello son los diez años de Guitar Craft por todo el mundo y los excelentes guitarristas que han salido o se han dado a conocer gracias a estos seminarios. Dan fe de los resultados obtenidos los discos de Robert Fripp & The League Of Crafty Guitarists y los grupos surgidos de Guitar Craft y que aparecen en el catálogo de Discipline Global Mobile [DGM]. De buenas a primeras, se ha creado todo un estilo de hacer música con la guitarra. En cuanto a su esposa, Toyah Willcox, además de los asuntos propiamente sentimentales, en 1986 ella y su marido publicaron un insólito álbum: The Lady Or The Tiger?. En cada cara de este disco Toyah recita, con el fondo de guitarras de Robert Fripp & The League of Crafty Guitarists, una obra de F.R. Stockton (un escritor americano del siglo XIX en cuya residencia, propiedad del Instituto de Educación Contínua, se realizaron cursos de Guitar Craft). La siguiente colaboración junto a Toyah fue la formación del grupo Sunday All Over The World [SAOTW], en el que además de ellos dos estaban Trey Gunn y Paul Beavis. SAOTW realizó una gira y en 1989 publicó su único elepé: Kneeling At The Shrine. El disco y el grupo supone la vuelta de Fripp al pop-rock con canciones más o menos convencionales pero arropadas por una instrumentación sublime, por un juego de filigranas a la guitarra y por la chirriante voz de Toyah. Después le llegó, a Fripp, el turno a un trienio dedicado a colaboraciones en discos de otros músicos y a la reedición, todo a cargo de él mismo, de todo el material de KC en «ediciones definitivas» en CD y en también definitivas antologías: cuatro CD reunidos en Frame By Frame y otros cuatro CD con conciertos de 1973-1974 en The Great Deceiver. Así las cosas, en 1992 se abre una nueva etapa en la trayectoria de Robert Fripp con una gira por el Japón y con la edición (en 1993) del disco The First Day, junto a David Sylvian, ex-cantante de Japan: una obra maestra de rock que nos devuelve un Fripp lleno de facultades a la guitarra. En esta etapa (a la que hay que añadir una gira casi mundial y la edición de un CD en directo, Damage) Fripp es reconocido como una pieza imprescindible con el auge de la música techno y sus acólitos. Prueba de ello son sus colaboraciones con The Grid y The Future Sound Of London (que también remezclaron en un mini-CD Darshan, la pieza clave de The First Day), el disco FFWD (grabado junto a personal de The Orb) y, finalmente, la edición de The Essential Fripp & Eno, una antología de todo lo publicado y lo inédito grabado por ellos dos. En medio de esta etapa, Robert Fripp tuvo tiempo para seguir con los asuntos de Guitar Craft. Pero desde otro punto de vista. Entre 1992 y 1993 se reunió con los miembros de The California Guitar Trio (un trío de guitarras surgido de los seminarios de Guitar Craft) y con Trey Gunn (otro alumno aventajado de Guitar Craft, ex miembro de SAOTW y futuro miembro de KC) para dar una serie de conciertos y que surgiera The Robert Fripp String Quintet, un quinteto de cuerda que después de actuar en Japón, Argentina y California editó The Bridge Between. Este CD está repleto de música sencillamente hermosa, con composiciones originales o versiones de Bach y con un largo tema plagado de frippertronics que conceptúa lo que años más tarde Fripp daría en llamar «soundscapes». Con el nacimiento de Discipline Records, que daría lugar a DGM; con el nombre de Robert Fripp omnipresente, que colabora con grandes nombres del techno y en obras maestras del rai, como Sidi Mansour de Rimitti; y con los rumores de que en 1994 vería la luz material inédito de KC de 1968-1972 y 1981-1984 y un nuevo trabajo de un nuevo King Crimson; así las cosas, pues, ve la luz a finales de 1994, tras diez años de sequía, el nuevo disco: VROOOM. King Crimson: «Pero sigo siendo el Rey» En 1986-1987 Robert Fripp ya pensaba en la vuelta de KC. Fripp escribió música para la versión cinematográfica de la ciberbiblia Neuromancer, la novela de William Gibson; y esta música, según Fripp, era claramente crimsoniana, incluso llegó a componer una especie de Larks’ Tongues In Aspic Part IV (que más tarde recuperaría), pero el proyecto de película se vino abajo y la música continuó inédita. Desde 1990 Fripp gestionaba la vuelta con los otros tres miembros de la última etapa crimsoniana (Bill Bruford, Tony Levin y Adrian Belew), que mostraron interés por el renacimiento, pero problemas contractuales no hicieron posible que el nuevo material de KC no viera la luz hasta finales de 1994. Así pues, King Crimson nació por cuarta vez el 18 de abril de 1994 (justo cuando Bruford terminaba el contrato con EG Records), y ahora como sexteto. La idea de «doble trío» le vino a la cabeza a Fripp como una intuición, que acabó cuajando de la siguiente manera: las guitarras de Robert Fripp y Adrian Belew (también voz), los bajos y sticks de Tony Levin y Trey Gunn (que ya había acompañado a Fripp en Guitar Craft, SAOTW, Sylvian & Fripp y The Robert Fripp String Quintet) y las percusiones de Bill Bruford y de Pat Mastelotto (que había trabajado con Sylvian & Fripp). La música de este nuevo KC, evidentemente crimsoniana, surgió más endurecida y compacta, y sin resquicio para cualquier pequeño fallo (a no ser el gusto musical). Seis instrumentistas de semejante talla y currículo no podían fallar. Y no fallaron. Mezclaron nuevas (el stick, los soundscapes, las percusiones) y viejas (melotrón y otros instrumentos «clásicos») tecnologías y la segunda y tercera etapa de KC para crear un conglomerado sin resquicio alguno para el descanso del oyente. El mini-elepé VROOOM, considerado por el grupo «más una tarjeta de visita que una carta de amor para los que escuchen el disco», resume a la perfección esta cuarta etapa. A nuestro parecer, es la obra imprescindible ya que muestra, de una manera aún fresca (grabado en cinco días y mezclado en quince), de qué son capaces los seis miembros de KC y todos los caminos que el grupo cultiva en esta etapa: baladas, melodías, paranoia e instrumentales improvisados y sin improvisar duros como el acero. Seis canciones que primero confunden al oyente pero que poco a poco lo atrapan sin remisión ni compasión. El disco se presentó, antes de que se editara, en Buenos Aires. El testimonio fonográfico de la velada existe ya que en 1995 DGM lo publicó con el título B’Boom y con el chascarrillo Official Bootleg, ya que está grabado con DAT ante la mesa de mezclas (no desde ella) y editado tal cual. Este concierto muestra a un grupo conjuntado y que presenta nuevas canciones (las del entonces todavía inédito VROOOM y las del aún más inédito THRAK ) junto a composiciones de la segunda (Red, The Talking Drum y Larks’… II) y, sobre todo, de la tercera etapa. Poca cosa cabe decir más: un concierto y una grabación correctos, que debió sorprender más en vivo teniendo en cuenta: a) los más de diez años que separan esta primera actuación de la cuarta etapa del último concierto de la etapa anterior, y b) al desconocimiento del público de muchas composiciones que allí se tocaron. Después de la breve gira por Argentina, en el ultimo trimestre de 1994 KC se encerró en los Real World Studios, de Peter Gabriel, para grabar un álbum entero, THRAK, con piezas regrabadas de VROOOM y material nuevo. THRAK es un disco más trabajado que VROOOM, más conceptual, en el que se mezclan todas las vertientes expuestas en VROOOM de una manera admirable. KC, con este par de discos, se vuelve a ganar el respeto merced a huir de la música acomodaticia, agradable y plagada de clichés y estereotipos para dar un paso adelante y abofetear, con composiciones hirientes, investigadoras, extremistas y sin concesiones, a los que esperaban la vuelta de unos dinosaurios paquidérmicos anclados en el pasado y dedicados a vivir de las rentas de «grandes éxitos» (¿ELP, Deep Purple, Jethro Tull…?). De ahí que últimamente Fripp se sienta orgulloso de que VROOOM haya sido tildado de indie rock, a lo que él añade que «probablemente King Crimson siempre lo ha sido». Un año después de la extensa gira por Europa, EEUU y Japón de 1995, DGM editó un vídeo oficial de KC en Japón (el primer video «oficial» del grupo, que sepamos) y un CD anhelado por los todos los fanáticos de KC que habían acudido a los conciertos y que en el fanzine electrónico ET habían hecho llegar su deseo de que se editaran las improvisaciones de esos conciertos. Después de conversaciones y discusiones en el seno del grupo, se editó THRaKaTTaK: casi una hora de thrakking; es decir, de las improvisaciones que forman parte de la interpetación de la canción Thrak en directo. THRaKaTTaK responde a todas esas expectativas y más desde el punto de vista que las improvisaciones en directo de KC siempre han sido lo más alabado de todo su quehacer sobre un escenario. No obstante, cabe decir que toda una hora de thrakking puede ser analizada respondiendo a las siguientes preguntas: a) ¿se añoran las improvisaciones de la época 1973-1974, algunas de ellas editadas en la recopilación The Great Deceiver ?; b) ¿se hace patente la cohesión y el buen entendimiento de todo el grupo, así como el dominio de las tablas y de la improvisación?; c) ¿las improvisaciones aún provienen del horror y del pánico, como dijo David Cross en 1974?; d) ¿toda una hora de improvisaciones es demasiado?, ¿es mejor escuchar THRaKaTTaK a pequeños sorbos y no de un solo trago largo? Hasta aquí la historia de una cuarta etapa de tan sólo dos años y en la que KC ha editado mucho, comparado con otras etapas. Ello responde al dominio absoluto de todo lo que gira alrededor del grupo merced a DGM. De esta manera el penúltimo capítulo se cierra con la edición de un viejo deseo de Robert Fripp: un álbum de versiones de la canción más famosa de todos los KC: 21st Century Schizoid Man. Se trata de un mini-CD con seis versiones de esta canción: la versión original, una versión corta editada en antologías y tres versiones en vivo: una inédita de 1969, una versión de 1972 (la incluída en el ahora inencontrable y descatalogado álbum Earthbound) y una versión de 1974 (incluida en USA, disco que es previsto que sea reeditado en la primavera de este año). Este viejo deseo de Fripp hecho realidad responde, según el mismo Fripp, a una serie de preguntas: «¿Es un single?, ¿Es un álbum?, ¿Se puede escuchar? Seis años de Schizoid Man por tres diferentes formaciones de KC en cuatro localizaciones diferentes y en tres lugares y épocas diferentes = intensidad». intensidad». El penúltimo capítulo, por ahora, es la tan esperada, y anunciada, edición de Epitaph, un doble álbum con un magnífico libreto con suculentos artículos de los componentes de KC y de la época y con material musical de 1969 de la primera formación (Fripp, Lake, McDonald, Giles y Sinfield): grabaciones en vivo en los estudios de la BBC, en las salas Fillmore americanas y el último concierto de esta formación de KC. Todo el material es sorprendente, con canciones clásicas conocidas y otras no editadas oficialmente, algunas de gran calidad musical y de grabación. Pero este doble álbum es posible ampliarlo con dos compactos más. Este par de CD sólo están disponibles directamente en DGM, debido a que Fripp considera que la calidad de sonido no llega a lo deseable, a pesar del excelente trabajo realizado de investigación y orfebrería técnica a partir de viejas grabaciones o de añejas ediciones de vinilos piratas. Valga como anécdota que la edición de Epitaph ha permitido, por primera vez en muchos años, la aparición pública de los cinco componentes de este primer KC en una tienda del centro de Manhattan. Parece ser que Fripp y Sinfield sonrieron juntos, que los cinco firmaron copias y que se intuye que ven con buenos ojos los derechos de autor que a buen seguro cobrarán. Así pues, Epitaph, grabaciones en vivo de la primera formación de KC de 1969, debe figurar al lado de The Great Receiver, con conciertos de 1973-1974, junto a los que pronto debería añadirse un álbum de grabaciones de la tercera etapa crimsoniana (1981-1984), sin olvidar conciertos de la época de Earthbound (1971-1972). Junto a ellos, los recientes y ya citados B’Boom y THRaKaTTaK, de la cuarta época. Por ahora esta historia se cierra con un último capítulo: la anunciada publicación de USA II, una edición ¿remasterizada, completa, inédita? del disco en directo de KC de 1975 (previsto para este año) y el deseo de que también se editen vídeos de todas las etapas del grupo. Ahora, Robert Fripp, con su pequeña, móvil e independiente compañía discográfica, DGM, se lo puede permitir. Se lo agradeceremos Date ALBUMS / Singles 1973 November NO PUSSYFOOTING 1975 December EVENING STAR 1979 April EXPOSURE 1979 FOUR FROM EXPOSURE (EP) 1979 North Star 1979 December Silent Night 1980 March GOD SAVE THE QUEEN / UNDER HEAVY MANNERS 1980 Under Heavy Manners 1981 THE LEAGUE OF GENTLEMAN 1981 April LET THE POWER FALL 1981 THE WARNER BROS. MUSIC SHOW: THE RETURN OF KING CRIMSON 1982 October I ADVANCE MASKED 1982 I Advance Masked 1984 March BEWITCHED 1984 Parade 1985 June NETWORK (EP) 1985 GOD SAVE THE KING 1986 ROBERT FRIPP & THE LEAGUE OF CRAFTY GUITARISTS LIVE 1989 HOW I BECAME A PROFESSIONAL MUSICIAN 1991 April 30 SHOW OF HANDS 1993 KINGS 1994 April 5 THE ESSENTIAL FRIPP AND ENO 1994 July 1 THE BRIDGE BETWEEN 1994 December 30 1999 1994/95 FFWD 1995 December 6 INTERGALACTIC BOOGIE EXPRESS 1995 December 6 A BLESSING OF TEARS 1996 May 28 RADIOPHONICS 1997 March 18 THAT WHICH PASSES 1997 April NOVEMBER SUITE: LIVE AT GREEN PARK STATION 1997 June THE GATES OF PARADISE 1997 September PIE JESU (EP) 1999 November 9 REPERCUSSIONS OF ANGELIC BEHAVIOR 2000 August 22 A TEMPLE IN THE CLOUDS 2002 June 18 DAMAGE 2005 April 5 THE EQUATORIAL STARS Robert Fripp: Disciplina como método

Minimalismo multimedia

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AMBIENT MUSIC………………http://music.hyperreal.org/epsilon/

DAVID BOWIE……………….http://www.davidbowie.com/

PHIL MANZANERA…………..http://www.manzanera.com/

LAURIE ANDERSON………….http://www.laurieanderson.com/

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JOHN CALE

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JOHN CALE  /  EL OTRO LADO DE LA FUERZA

Ni el lado oscuro ni el luminoso. Simplemente, el «otro» lado de una de las bandas de rock más vanguardistas de todos los tiempos, la Velvet Underground.
Con ustedes, el señor John Cale.

Cale es uno de los más célebres y trascendentes músicos del rock underground. Su estilo musical es difícil de clasificar pues cambia de género como un verdadero camaleón de la música. A pesar de haber sido incluido en la escuela de la música avant-gard, mucho de lo que él ha grabado ha estado decididamente orientado a la «canción», aunque nunca al mainstream.

Cale nació en Gales, en 1942, hijo de un minero del carbón en Welsh y una profesora. Fue prácticamente un niño prodigio que aprendió música de manera muy rápida, incluso componiendo y tocando en la BBC (junto a John Cage) antes de llegar a la adolescencia. Se mudó a New York en 1963, gracias a una beca (cortesía de Aaron Copland y Leonard Bernstein), donde pronto llegaría a ser miembro del joven proyecto minimalista de LaMonte, llamado The Dream Syndicate (no confundir con la banda ochentera de Los Angeles) Esto lo conduce a su próximo peldaño musical.

Cale fue el bajista, el encargado de la viola y el tecladista en la banda más representativa y arriesgada del avant-garde, fundada por él mismo, el vocalista y compositor Lou Reed y el guitarrista Sterling Morrison en 1966. Teniendo como manager al ícono del pop-art Andy Warhol, Velvet Underground también incluyó los talentos de la vocalista Nico y el baterista Maureen Tucker.John conoció a Lou cuando éste último era un emergente «songwriter» (cantautor) trabajando para el sello Pickwick. Probó las bondades del rock en the Primitives (con Reed y su compañero en Dream Syndicate, Tony Conrad), quines hicieron algunos shows para promocionar una pequeña novedad que Reed había escrito y grabado en Pickwick, «The Ostrich» (el avestruz).

Los tres años siguientes consiguieron el éxito con the Velvet Underground. Mientras Reed era el miembro más importante de la banda como cantante líder y compositor principal, Cale era crucial en la definición del sonido. Era Cale el responsable de los elementos más experimentales de sus primeros dos álbumes, The Velvet Underground & Nico y White Light/White Heat (1967), especialmente con sus secciones de viola en «Venus in Furs», «Heroin», y «Black Angel’s Death Song», su piano en «I’m Waiting for the Man» y «All Tomorrow’s Parties,» su narración en «The Gift», y el ruido blanco del órgano en «Sister Ray.»

El verano de 1968 Cale deja a la Velvet, supuestamente a causa de una pelea con Lou Reed. Dicen que el ego de este último es tan grande que no soportó la idea de que alguien amenazara su liderazgo en la banda. Reed les había dicho a los demás algo así como «o él o yo», y éstos elegieron el «yo». De esta forma, siguieron haciendo música por un par de años, con la notoria ausencia del genio de Cale.

Cale se convirtió en el productor del primer disco de la cantante-modelo-musa de Warhol, Nico, llamado «The Marble Index» (1969) y el debut de los Stooges (el grupo de Iggy Pop) ese mismo año. Ambos de iban a convertir en importantes fuentes de influencia para lo que iba a venir: el punk y la new wave.

«Vintage Violence», de 1970, es el álbum con el que Cale inicia su carrera solista. Era un trabajo accesible, bien ligado al trabajo del grupo, pero fue solamente un paso para llegar a «Church of Anthrax» un trabajo instrumental junto a Terry Riley.

Así se las iba a llevar Cale en su vida, de un lado a otro, alternando. Sus «experimentos» quedaban relegados a lo que hiciera con Riley, Brian Eno, y, después de mucha agua bajo el puente, Lou Reed.Sus letras generalmente incluían dilemas sicológicos y sociales de la vida de finales de siglo.Su música no dejaba de lado la vanguardia o los coqueteos con la música clásica a través de la viola o el piano.

A finales de los setenta su postura dio un giro hacia un rock más duro, sobretodo en sus actuaciones en vivo, que ibana acompañadas de una performance teatral. En esta época hubo disfraces, y hasta la muerte de una gallina en escena. La antología «Seducing Down the Door», puede llegar a ser el mejor lugar desde donde apreciar la bipolaridad musical de Cale.

Paralelamente, el músico seguía con sus labores de productor. Trabajó, a principios de los ’70, con Jonathan Richman and the Modern Lovers; en «Horses» (1975), de Patti Smith; y en sucesivos trabajos de Nico, Squeeze y Sham 69.

En los ’80, Cale redujo su trabajo propio y se concentró en colaboraciones. «Wrong Way Up (1990)», por ejemplo, surge de su encuentro con Brian Eno. «Songs for Drella» (1990), lo reencuentra con su viejo «compañero» Reed; el disco era un tributo al artista-mentor-manager de la Velvet, Andy Warhol. El encuentro se prolonga en un «revival» de la Velvet Underground para un tour europeo en 1993 que no es bien recibido por la crítica. La pelea Reed-Cale tenía su segunda parte.

Los planes para hacer una gira americana nunca vieron resultados positivos. La muerte de Sterling Morrison en 1995 acabó con cualquier sueño de los amantes de la música, pese a que significó -dicen- la reconciliación de Reed y Cale, que volvieron a tocar juntos para el ingreso de la Velvet al Rock & Roll Hall of Fame en 1996. Cale in any case doesn’t need Reed to keep busy (or vice versa). Durante los ’90, Cale continúa su trabajo. «The Last Day on Earth» (1994), una producción teatral junto a Bobby Neuwirth es un buen ejemplo. En 1998, Cale se encarga de producir «Nico», un tributo a la musa alemana.

Por ultimo su colaboración con Brian Eno

PETER HAMMILL

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PETER HAMMILL

LA FURIOSA VOZ DE UN ARTESANO DEL ROCK.

Peter Hammill arrastra,sin duda,acerrimos seguidores. Pocos pero apasionados (casi hasta el paroxismo) por su musica.En cada ciudad unas decenas. Peter Hammill es un autor con una carrera musical extremadamente original,diriamos que unica.

Fue el alma de la mitica Van Der Graaf Generator,banda de rock progresivo surgida en Manchester en l967. Su sonido sigue siendo inclasificable hoy en dia. Pasaban del lirismo mas bello a la furia incontrolada, de lo crudo y feo a la magia mas luminosa.Van Der Graft Generator fueron inimitables y ningun otro grupo de renombre ha podido ir tras su estela.

Aunque en las ultimas hornadas de bandas de rock progresivo algunas tienen cierta inspiracion «vandergrafniana»,nombraremos a los italianos Garden Wall o los americanos Discipline, ambos estupendos.

De los nueve discos que Peter Hammill editara con VDGG (de l968 a l978) y de los veintiocho en solitario,no hay ni uno solo que flojee por su falta de calidad,todos estan por encima de la media y alguno de ellos son geniales,como «Pawn Hearts» (1971) y «Godbluff» (1975) con VDGG ,y «Fools Mate»(1971),»The silent corner and the empty stage»(l974) entre otros editados con su propio nombre.

Si en VDGG se mezclaban las influencias del rock progresivo con el free jazz la musica clasica e incluso el rock duro,la trayectoria de Peter Hammill en solitario ha sido la de un visionario individualista que no ha parado de experimentar,desde el punk con «Nadir’s big chance» (1975) hasta la opera «The fall of the house of Usher» (1991).

Sus ultimos discos tienen la particularidad de estar grabados en su propio estudio «Terra Incognita»,en Bath,y de publicarlos en su sello discografico Fie.Otra de las carateristicas es que de obra a obra varia basicamente su contenido, cada disco es una sorpresa.»Fireships» (1992) es tranquilo y hasta delicado.»The noise» (1993) es lo contrario,puro nervio rockero,en «X my heart» (1996) cada cancion es una leccion de estilo,recobra el lirismo pero tambien la parte tormentosa que siempre le ha acompañado.

Peter Hammill actuo por segunda vez en Euskadi – la primera fue en Gasteiz – en Bilbao y en Eibar en octubre de l996.Tan solo se acompaño de la guitarra y el piano. Un hombre al que se le desprende un aura de sensibilidad a traves de su potente voz ,en plena forma,que moldea a su gusto. Aunque ya han pasado exactamente cinco años he querido recuperar esta entrevista que la realice instantes antes de su actuacion en el salon el Carmen de Bilbao.

ENTREVISTA

-Da la sensacion de que,en los ultimos años,tu carrera musical esta muy pensada,sabes muy bien lo que quieres.Musica muy personal y autonoma fuera del circuito comercial. BFPor que despues de tantos años en la musica has optado por ese camino?

-Soy muy afortunado por haber empezado en la musica enlos años 67-68, cuando el negocio discografico era distinto al actual.Por aquel entonces habia gente que como nuestro primer manager del sello Charisma Records que era algo asi como un mecenas,solo interesado en el aspecto artistico.Antes te daban mas tiempo, un par de años para captar publico, sin embargo ahora se persigue el exito inmediato, te dan solo seis meses o como mucho un año.

A nosotros se nos dio confianza y, en respuesta, quisimos hacer nuestro trabajo de la mejor forma posible, dejando siempre clara una actitud hacia lo que considerabamos autentico. Si lo hacer si sabes que, tarde o tempranmo, llegas a un determinado tipo de publico y asi he seguido hasta ahora. Quizas no sea un artista de rock al uso, ya que me gusta abarcar una amplitud de campos, ahora esta todo mas etiquetado. Lo que yo hago me parece genuino y por eso sigo ese camino.

Eres un compositor muy prolifico, le dedicas mucho tiempo a la eacion de canciones?

Me gusta trabajar, mi familia dice que soy un adicto al trabajo pero es algo que da sentido mi vida. La musica me da seguridad, lo demas es algo confuso. Mi trabajo es una forma de expresion que me proporciona placer.

Como surgen los temas, de donde viene la inspiracion?

Llevo casi 30 años en la musica y aun lo desconozco, Una cancion es un misterio. No debe ser algo dogmatico, sino algo abierto a una diversidad de interpretaciones. A veces he tradado tres anios en madurar una cancion; la compongo pieza a pieza y al final se me olvida cual fue el origen.

Tanto en la epoca de Van der Graaf Generator como en solitario han istido diferentes etapas, BF de cual tienes un recuerdo mas especial?

Un momento muy particular fue cuando grabamos «Godblff» y «Still life» (1976).Fue un periodo muy creativo durante el cual editamos tres albumes con el grupo y uno en solitario en l8 meses,ademas de realizar las giras correspondientes.

Fue muy duro pero muy excitante,llegamos al limite.Por aquel entonces yo tenia 23 o 24 anios,entonces el mundo parecia otro planeta comparado con el de hoy. Ahi me di cuenta de que queria dedicarme plenamente a la musica,era lo que yo realmente queria hacer y alrededor de ella debia ordenar mi vida.

Cuando comence solo era un muchacho de 18 años que pretendia ser cantante y compositor. Para mediados de los 70 ya habia aprendido lo bastante para saber lo que hacia.

Supongo que esta pregunta te la han repetido constantemente tanto riodistas como fans. Es poible que,con el tiempo,exista una nueva agrupacion de VDGG, ya que algunos de sus miembros colaboran en tus scos?

No es posible en la actualidad. El sentimiento del pasado debe quedar en el pasado. Aquella experiencia fue fantastica. Era un sentimiento muy fuerte y un compromiso increible, porque si estas dentro de un grupo este deber ser el centro de tu vida y todo lo demas queda al margen.

Eso solo lo haces a una edad determinada; cuando llegamos al final de la veintena,algunos miembros de la banda ya tenian familia y ya no era lo mas importante. VDGG sigue siendo muy especial para mi y no quiero alterar su recuerdo. Podemos tocar juntos (de hecho ahi esta el album del 97 «The union chapel concert» a nombre de Guy Evans y Peter Hammill en el que colaboran el resto de los musicos de VDGG) pero no como Van Der Graaf Generator; seria una mala idea retornar a algo que definitivamente se perdio,no volveria a ser lo mismo.

Vas a seguir experimentando en otros proyectos como musica para llet,opera,vanguardia sonora,etc?

Para mi la experimentacion es como si me dieran unas vacaciones para probar algo diferente;dentro de ese camino siempre aprendo y por eso me gusta investigar con sonidos continuamente.

Poseer un estudio te ayuda en gran medida a deguir esa linea n total libertad?

Evidentemente,eso es importantisimo. No concibo todo el trabajo que hago si no es de esa manera. Desde hace anios creo los discos a mi aire,luego se los entrego a una compañia para que los publique,aunque actualmente me los doy a mi mismo porque los edito de manera autonoma. Si me hubiera atado a las normas de una casa discografica convencional me habrian dado por muerto.

Estas cansado de ser un artista de culto,con pocos pero asionados seguidores en diferentes partes del mundo o quizas en eso dica tu misterio?

Ciertamente,prefiero eso antes que tener mucho exito en un solo lugar,por ejemplo,ser famoso en Inglaterra y no poder ir a un restaurante o un pub.Siempre he querido que mis discos se escuchen y se reconozcan,pero eso dista mucho de querer convertirme en una estrella.En cuanto al misterio que me rodea,no solo es referenta a mi,sino tambien a los que siguen mi musica, ya que me sorprende comprobar que son de muy diferentes edades,formas de vida,de cultura y,obviamente,de paises.Eso me agrada y me proporciona un gran entusiasmo.

En el siglo XXI tendra vigencia el rock?, por donde se ientara la musica de Peter Hammill,te lo puedes imaginar?

Perduraran las grandes multinacionales discograficas,con grandes cantidades de dinero destinadas a determinados artistas,se continuara potenciando un monopolio de la musica uniformado para todo el mundo. Para estas compañias la musica es solo un negocio,no tienen corazon,no ponen el alma en ello.Por el contrario para el publico que le guste la musica minoritaria resultara mas facil acceder a ella. Es el caso del internet. Espero que haya mas oportunidades en este sentido.Respecto a mi mismo,no se , espero seguir mientras tenga algo que contar.

Como persona, tienes preocupaciones sociales, politicas  e ideologicas?

Por supuesto,pero esas opiniones me las reservo para mi solo, lo transciendo publicamente cuando me veo empujado a escribir esas preocupaciones en una cancion.

Peter Hammill dio dos conciertos magistrales,tanto en Bilbao como en Eibar .

 No hubo demasiado publico, unas 200 peronas en cada lugar, algunos seguidores llegaron desde Belgica y Holanda. En difinitiva, hubo una entrega total tanto arriba del escenario como abajo, con algunos exaltados que estallaban de emocion en los momentos mas algidos del concierto. Hammill en directo y con el solo ropaje de una guitarra o un piano fue una fuente de sensibilidad, furia y armonia.

Jon Hassell

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Jon Hassell

COMPOSITOR/TROMPETISTA- Jon Hassell es el creador de un estilo de la música que él describe como cuarto mundo, un híbrido misterioso,  mago  visionario de la música antigua y digital, compuesta e improvisada.

Estudio composición sacando los títulos universitarios en los E.E.U.U., a continuación se  fue a Europa a estudiar música electrónica  con Karlheinz Stockhausen . Varios años más tarde, volvió a N.York en donde sus primeras grabaciones fueron hechas con los jóvenes y Terry Riley de La Monte de los amos del minimalist ,y emprendio una búsqueda de por vida con la maestría vocal de Kirana ,su profesor en sus nuevos sonidos y estilo de la trompeta.

En las dos décadas pasadas, él ha registrado 11 álbumes solo ,

Mientras que las notas del trazador de líneas para su realismo de registro de 1983 Aka-Darbari-Java/Magic describen un equilibrio de la tecnologia-tradicional  dando por resultado «una música clásica ‘ cafe’-coloreada ‘ del futuro», por ello en su momento era innovador en el campo del estallido ambiental tal como Brian Eno y Peter Gabriel

«Todos danzamos al son de una misteriosa melodía», es el resumen que Albert Einstein hizo de la vida, y Jon Hassell parece dedicado a encontrar esa melodía secreta que explique todo lo que existe, porque el misterio – su forma de seguirlo y expresarlo- es una de las notas esenciales en su carrera.

Misterios aparte, la música de Jon Hassell suena siempre a verdad. Sin fuegos de artificio. Austera y luminosa, íntima y a veces solemne ha sabido ir a la esencia del cruce de culturas. Él nunca se ha quedado a vivir en una postal exótica llena de color como han hecho otros músicos.

Desde hace veinte años viene definiendo la idea musical de un «Cuarto Mundo» en el que composiciones de diferentes épocas y lugares de origen se unen con la tecnología .Nada que ver con lo se ha venido a llamar «world music».Su mezcla, su alquimia llega desde el respeto y la sabiduría; desde otra mirada que también incluye los sueños. Su trompeta no se limita a traducir en clave de vanguardia y electrónica el folclore de Africa o Asia. Pero ¿se trata de verdad de una trompeta?

Bueno, la forma sí que la tiene aunque lo que escuchamos es un huracán de sonidos secretos que no recuerdan mucho al instrumento tradicional. Con ella nos habla en todas las lenguas y dialectos de aquello que le ha transmitido vida, ya sea el canto de un pueblo pigmeo en el centro de Africa o una tribu de Malasia en la que unos a otros se cuentan los sueños nada más despertar.

Jon Hassell es uno de esos músicos que abren camino a lo que mucho tiempo después será definido como un estilo. Un maestro de la música contemporánea y un encuentro en el que seguramente comprobaremos como una vez más el misterio se aprecia de manera más fuerte en el arte que en la vida.

Jon Hassell ha publicado desde 1977 diez discos en solitario en los que han colaborado Brian Eno, Michael Brook o Daniel Lanois. AKA-DARBARI-JAVA : composiciones basadas en folclores y culturas de Africa e Indonesia. Este trabajo, junto a «Dream Theory in Malaya» y «Power Spot», marcan los puntos más altos de su carrera. En verano editó un disco junto a Ry Cooder

 Estudia música electrónica y serial con Karlheinz Stockhausen. Terry Riley le aconseja aprender canto junto al maestro indio Prandit Pran Nath y esas enseñanzas las aplica a la trompeta. Graba obras de LaMonte Young y toca en algunas de sus instalaciones (p.e. «Dream House»).

 Actuaciones y colaboraciones junto a David Sylvian, Lloyd Cole, Talking Heads, Seal, Jackson Browne, etc en el terreno del pop. En la Expo 92 de Sevilla comparte escenario junto a ocho grupos folcloricos de Marruecos

Daniel Lanois

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Daniel Lanois es un productor y músico franco-canadiense. Ha producido discos para un gran número de artistas y ha compuesto unos cuantos propios. Ha trabajado con U2, Peter Gabriel, Robbie Robertson, Ron Sexsmith  y como no con Brian Eno

Nacido en Québec y a los 10 años su familia se  traslada a Ontario, aquí aprende el ingles y se ve involucrado en una familia de músicos  en que sus padre y abuelo eran fanáticos de tocar el violín, amantes de la música tradiconal Folk

Ya de joven con su hermano Bob empieza a experimentar con la música hasta llegar a la actualidad, su despegue fue en las producciones de U2 con su amigo Brian Eno

           The Unforgettable Fire, 1985

           The Joshua Tree, 1987

      Rattle And Hum (Heartland), 1989

       Achtung Baby!, 1992

Sus albumes en solitario una DELICIA es especial ACADIE

Discografía

• Shine 2003
• Sling Blade 1996
• Lost in Mississippi 1996
• Sweet Angel Mine 1996
• For the Beauty of Wynona 1993
• Acadie 1989

Como productor

• All That You Can’t Leave Behind 2000– U2
• The Million Dollar Hotel (BSO) 2000
• Power Spot 2000 – Jon Hassell
• Teatro 1998 – Willie Nelson
• 12 Bar Blues 1998 – Scott Weiland
• Brian Blade Fellowship 1998 – Brian Blade
• Time Out of Mind 1997 – Bob Dylan
• Fever In Fever Out 1996 – Luscious Jackson
• Night to Night 1996 – Geoffrey Oryema
• Wrecking Ball 1995 – Emmylou Harris
• Ron Sexsmith 1994 – Ron Sexsmith
• El último mohicano (BSO) 1993
• Us 1992 – Peter Gabriel
• Flash of the Spirit 1992 – Jon Hassell y Farafina
• Achtung Baby 1991 – U2
• Oh Mercy 1989 – Bob Dylan
• Yellow Moon 1989 – Neville Brothers
• Robbie Robertson 1988 – Robbie Robertson
• The Joshua Tree 1987 – U2
• So 1986 – Peter Gabriel
• Voices 1985 – Roger Eno
• Birdy 1985 – Peter Gabriel
• Hybrid 1985 – Michael Brook
• The Unforgettable Fire 1984 – U2
• The Pearl 1984 – Harold Budd
• Apollo: Atmospheres and Soundtracks 1983 – Brian Eno
• Parachute Club 1983 – Parachute Club
• On Land 1982 – Brian Eno

Enlaces externos

• Sitio web oficial
• Sitio web no oficial

Production Credits

Michael Brook

• Hybrid, 1985

Harold Budd/Brian Eno

• The Pearl, 1984

Bob Dylan

• Oh Mercy, 1989

Brian Eno/Roger Eno/Daniel Lanois

• Apollo: Atmospheres & Soundtracks, 1983

Peter Gabriel

• Birdy, 1985
• So, 1986
• Us, 1992

Emmylou Harris

• Wrecking Ball, 1995

Luscious Jackson

• Fever In Fever Out, 1996

The Neville Brothers

• Yellow Moon, 1989

Robbie Robertson

• Robbie Robertson, 1987

U2

• The Unforgettable Fire, 1985
• The Joshua Tree, 1987
• Rattle And Hum (Heartland), 1989
• Achtung Baby!, 1992

ROBERT WYATT

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ROBERT WYATT

Robert Wyatt nació el 28 de Enero de 1945 en Bristol,Inglaterra y formo parte de la famosa movida de Canterbury que tanto tuvo que ver con los origenes del Prog-Rock.Robert Wyatt ha producido una cantidad enorme de trabajos en su prolifera carrera musical, pero mas que nada es conocido por ser el baterista original de Soft Machine así como un radical y combativo cantante y compositor protestante.Wyatt llego a Soft Machine durante el llamado periodo post-psicodelico de la escena de Canterbury Scene de mediados de los ’60.

Fue en esa época que surgieron también muchas bandas que veian en el rock una forma de «arte» (ej:Gong,Pink Floyd,Jethro Tull, Yes, King Crimson)pero lo que tenia de particular Soft Machine eran sus teatrales excesos asi como un gusto por decantarse para el lado del jazz y a veces llegar a experimentar haciendo un jazz fuera de lo común, ruidoso quizás para los puristas.La banda se podria decir que encontraba un punto intermedio entre el formato de rock Standard y las mas duras experimentaciones «jazzeras».

Soft Machine durante esta epoca tambien ayudo a Syd Barrett para que este grabe su primer album solista Wyatt dejo el grupo durante su periodo inicial de popularidad.Su carrera solista, entonces, parecía que se iba a sostener en sus habilidades como baterista y percusionista, así como en su fragil voz.

Poco después de su primer disco como solista, llamado «End of an Ear»,Wyatt sufrió un lamentable accidente al caer desde una ventana abierta durante una fiesta fracturándose su espalda para quedar paralítico de por vida. Después de su dolorosa recuperacion, Wyatt vuelve con todo a la vida artística editando un disco que pasaría a la historia:»Rock Bottom» (1974)

y mas tarde el extraño «Ruth Is Stranger Than Richard» (1975).En esta época se distingue el interés de este artista por grabar obras que estén en una veta sumamente experimental. Sorpresivamente su versión de un tema de the Monkees llamado «I’m a Believer» se convirtió en un éxito en 1974 llegando a los charts británicos.

Fue en ese momento cuando sucedió un hecho que provoco polémica cuando la BBC en su historico programa «Top of the Pops» se nego a mostrar a Wyatt cantando la canción desde su silla de ruedas, demostrando un caracter autoritario y sumamente discriminador hacia las personas minusvalidas.

Asi ocurrió una gran protesta encabezada por músicos y artistas de todo el país que por medio de documentos, petitorios oficiales y proclamas logro hacer que Wyatt apareciera en cámara cantando la canción. Posteriormente a este suceso, Wyatt permanecio en silencio por el resto de la decada, rompiendo finalmente este silencio con posterioridad al surgimiento del punk para grabar un par de singles para el sello alternativo ingles Rough Trade.

Fue en esta época que grabo una bella versión del tema de Chic,»At Last I Am Free».Esto fue solamente el comienzo de un renacer en su carrera que incluyo la grabación de algunos álbumes  bastantes interesantes así como colaboraciones con artistas como Elvis Costello, el cual escribió canciones para que Wyatt las cante. Estos discos fueron a veces introvertidos a veces de carácter meditativo pero siempre incluyendo la emocionante y sensible voz de Wyatt.Asi fue como el radicalismo y el compromiso de Wyatt se fue incrementando durante los años correspondientes al gobierno de Margaret Thatcher como primer ministro britanica.

Hay que decir también que Wyatt tenia simpatías por la izquierda y la doctrina comunista. Esto resulto en un conjunto de discos, cuya musica era dura y estridente como si fuera un manifiesto político.

Wyatt se intereso también por influencias de todo tipo que iban desde Victor Jara o Violeta Parra hasta música india,cubana y africana.En los ’90 Wyatt trabajo tanto dentro como fuera de la música. Sus grabaciones continuan mostrando esos elementos tan característicos de Wyatt: dolor, devoción y politica. El, igualmente se mantiene siendo casi un «mártir» y un artista de culto a salvo de cualquier contaminación proveniente de la maquinaria comercial de la música pesar de su estridente tendencia politica podemos llegar a decir sin equivocarnos que el legado de Wyatt consiste en una cantidad generosa de maravillosa musica,positiva y con pura emocion, la cual sigue permaneciendo desconocida para muchos.

DISCOGRAFIA COMPLETA DE ROBERT WYATT:

• 1971 The End of an Ear
• 1974 Rock Bottom
• 1975 Ruth Is Stranger Than Richard
• 1981 Robert Wyatt
• 1981 Nothing Can Stop Us
• 1982 The Animals Film
• 1985 Old Rottenhat
• 1991 Dondestan
• 1994 Floatsam Jetsam
• 1996 Short Break
• 1997 Shleep
• 1998 Dondestan
• 2002 M.W. Pour Robert Wyatt In Poly Sons E.M.Acevedo 

David Byrne

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David Byrne y sus Cabezas Parlantes

David Byrne nació en Dumbarton, Escocia el 14 de mayo de 1952. A los 2 años de edad, sus padres se mudaron a Canadá, y, cuándo David tenía entre 8 y 9 años, sus padres decidieron mudarse nuevamente, esta vez para los suburbios de Baltimore, Maryland. Fue hijo de un ingeniero electrónico, y tocó guitarra en una serie de bandas adolescentes tan solo como un pasatiempo.

En septiembre de 1970, David ingresó como estudiante en la prestigiosa Escuela de Diseño de Rhode Island. Fue allí dónde conoció a los estudiantes Tina Weymouth y Chris Frantz.

Él nunca se sorprendió demasiado con el instituto en dónde estaba estudiando: «Pienso que la escuela de diseño es verdaderamente escandalosa, especialmente en este país. Conoces un par de buenos profesores y algunos alumnos interesantes, pero para la cantidad de dinero que se gasta, no conviene».

En la escuela de Diseño de Rhode Island, David estudió un programa funcional de diseño conocido como «La Teoría Bauhaus«, además de tomar un curso de arte conceptual. Nadie en esa escuela estaba muy seguro acerca de tenerlo a David allí, particularmente cuándo realizó una presentación en dónde se cortaba el pelo y se afeitaba la barba en el escenario, junto al acompañamiento de música de un acordeón y a una chica mostrando al mismo tiempo cartas escritas en ruso.

Esto a los profesores no les agradó, y David se encontró automáticamente en la calle. Estuvo estudiando en esa escuela por durante un año.

Luego, viajó alrededor de los Estados Unidos. Al regresar a Baltimore, David conoció a Marc Kehoe y juntos formaron un dúo llamado Bizardi. El rol de David Byrne era cantar y tocar algunos instrumentos, mientras que Marc también cantaba y tocaba el acordeón.

Bizardi existió desde febrero de 1971 hasta marzo de 1972. Durante su año de existencia, realizaron presentaciones en la escuela de arte, algunos teatros y el Club Playboy de Baltimore, antes de viajar a San Francisco, donde recorrían las calles y conseguían trabajos temporales en restaurantes.

Su repertorio consistía básicamente en viejas composiciones como «The Glory of Love», «April Showers» y el cancionero de Frank Sinatra. Lo que más se destacaba era «96 Tears», tema que luego David tocaría en vivo en el año 1992, durante su gira acústica por los Estados Unidos junto a Richard Thompson.

Cuando llegó la primavera, Marc Kehoe comenzó una carrera en la creación de películas y David tomó la decisión de regresar al área de Providence, Rhode Island, para reunirse con sus amigos Chris Frantz y Tina Weymouth nuevamente.

David y Chris formaron una banda llamada The Artistics (también conocida como The Autistics). Ellos versionaron algunos temas antiguos, y Byrne contribuyó con un par de originales, entre ellos «Psycho Killer», «I’m Not In Love» y «Warning Sign», temas los cuáles serían adoptados posteriormente por Talking Heads.

Entre los pocos fans más acercados al grupo estaba Tina Weymouth, quien eventualmente se casaría con Chris Frantz. Luego de que The Artistics dejara de existir a mediados de 1974, Byrne, Frantz y Weymouth decidieron comenzar una nueva banda. Los estudios musicales de Tina sirvieron para que ella tocara el bajo en la banda, y Chris, la batería. Después de que los tres decidieran mudarse para el lado este de Nueva York, comenzaron a realizar importantes ensayos, y, en Mayo de 1975, encontraron un nombre para la banda: Talking Heads.

En Junio de 1975, la banda realizó su primer concierto en el club CBGB de Nueva York como teloneros de The Ramones, y a comienzos de 1976, realizaron sus primeros demos como «First Week/Last Week… Carefree» y «Artists Only», para el sello Beserkeley. Estas grabaciones y los pequeños conciertos que habían brindado resultarían suficientes para que Sire Records se fijara en ellos y los contratara en Noviembre de 1975.

En Diciembre de 1976, el trío grabó su primer sencillo titulado «Love Goes To Building On Fire/New Feeling», el cuál fue lanzado a la venta a principios de 1977. A la banda luego se le adhirió el guitarrista y tecladista Jerry Harrison, quién ya había tocado para la banda The Modern Lovers, y había grabado junto a ella su disco debut, considerado como uno de los mejores álbumes de Rock de toda la historia.

Para el mes de Abril, la banda ya de cuatro integrantes comenzaba a grabar su primer álbum, el cuál fue completado en Julio luego de una serie de conciertos por el continente Europeo.

«Talking Heads: ’77» fue lanzado a la venta en Septiembre de 1977 en los Estados Unidos. El debut no fue un gran éxito, a pesar de ser considerado como uno de los mejores discos de todos los tiempos (incluido en la lista de los Mejores 500 Álbumes según la revista Rolling Stone). Esta grabación incluía el excelente tema «New Feeling», lanzado anteriormente en el primer sencillo de la banda, y «Psycho Killer», uno de los temas que aún David Byrne continúa tocando en vivo en sus conciertos como solista, y el cuál ingresó sorpresivamente al Ranking de los sencillos de Billboard por un par de semanas.

La banda continuaría la línea de su primer trabajo con el álbum «More Songs About Buildings And Food», lanzado tan solo un año después, y al cuál se le integraba como productor el músico Brian Eno. Los dos últimos temas de este trabajo, «Take Me To The River», un cover de un clásico de Al Green y «The Big Country», eran totalmente diferentes a los anteriores y servirían como un adelanto del sonido utilizado en los futuros discos de la banda. El primero de ellos fue tocado en el programa Saturday Night Live la primera vez que la banda se presentó allí, además de otro gran tema del disco llamado «Artists Only».

El grupo grabó su oscuro tercer disco titulado «Fear Of Music» en 1979, del cual se destaca «Life During Wartime», «I Zimbra» (tema que relata un poema de Hugo Ball), «Heaven», la cual es la composición más melódica del disco, y «Cities». También en este año Talking Heads tocó en vivo en el programa de televisión Saturday Night Live por segunda vez, nuevamente con la canción «Take Me To The River» y el corte de Fear of Music «I Zimbra».

«Remain in Light», el mejor trabajo de la banda según muchos críticos, fue lanzado en 1980, y también fue incluido en la lista de los 500 mejores discos de todos los tiempos. Este disco incluía «Once In A Lifetime», el tema que representaba el primer video musical lanzado por el cuarteto, considerado por muchos como uno de los videos más innovadores en la historia de la música. En este álbum participó por última vez Brian Eno. El segundo sencillo de «Remain in Light» fue «Crosseyed And Painless».

Esta racha de 4 excelentes álbumes (los mejores del grupo), en 4 años consecutivos (desde 1977 hasta 1980), fue la más importante de la historia del Rock. En 1981, la banda decidió tomar un descanso y retomó las giras en 1982, hasta regresar a grabar un nuevo álbum de estudio recién en 1983.

En el año 1981, David Byrne comenzó a grabar junto a Brian Eno (músico que ya había trabajado en tres discos de Talking Heads) el álbum «My Life In The Bush Of Ghosts», que se basaba en grabaciones de periodistas de Radios de Nueva York utilizadas sobre bases rítmicas. El proyecto fue uno de los pioneros de la utilización de ‘Samples’ en distintos ritmos de música, una característica muy utilizada por el Hip Hop, y, fue citado por grupos muy importantes de Rap (como Public Enemy) como su principal influencia.

Uno de los mejores temas del disco y el que lo abre, «America Is Waiting», fue elegido como el primer sencillo y fue acompañado de un video musical muy interesante en dónde no aparecía ningún músico (fue dirigido por Bruce Conner).

En ese mismo año, David lanzaba al mercado su primer disco completamente solista, titulado «The Catherine Wheel: Complete Broadway Score». La música de este disco (mitad instrumental y mitad vocal) sirvió como banda sonora para una obra de Broadway dirigida por Thyla Tharp. Los temas que se destacan de ese trabajo son «What A Day That Was» y «Big Blue Plymouth (Eyes Wide Open)».

En 1982, Talking Heads comenzó su gira con una importante serie de músicos acompañándolos (entre ellos el gran guitarrista Adrian Belew, Alex Weir, Nona Hendryx, etc.). Fue una gira muy interesante la cuál fue parte registrada en el primer LP en vivo de la banda llamado «The Name Of This Band Is Talking Heads». Este trabajó contenía además temas grabados en anteriores conciertos.

Las grabaciones en vivo del álbum «The Name Of This Band…» fueron lanzadas en 1982 solamente en formato vinilo, y se demoró 22 años para que salieran remasterizadas en formato de doble CD.

Para el año 1983, Talking Heads ya tenía pronto un nuevo disco de estudio titulado «Speaking In Tongues», un disco en dónde ya no aparecía Brian Eno pero seguía la línea del anterior trabajo de la banda («Remain In Light» de 1980), agregándole estructuras de canciones Pop.

Fue el primer álbum en 3 años y les dejó a la banda su primer sencillo Top 10 en Estados Unidos, «Burning Down The House», un tema con ritmos Funky acompañado por un muy buen video musical, nominado a la categoría «Mejores Efectos Musicales» en la primera entrega de los MTV Video Music Awards, en 1984. El tema también estuvo nominado a un premio Grammy como «Mejor Intepretación Vocal Rock Por Un Grupo o Dúo»: esa nominación no se pudo ganar, pero el artista Robert Rauschenberg ganó uno de los importantes premios por la creación de la portada del disco.

El segundo sencillo del álbum fue «This Must Be The Place (Naive Melody)», la primer balada importante del grupo, la cuál vendría también acompañada por un muy buen video musical, y, el tercer sencillo fue del tema «Swamp».

«Speaking In Tongues» fue el primer disco de Talking Heads en vender más de un millón de copias en América. Luego del lanzamiento de este disco, la banda se embarcó en otra extensa gira para promocionarlo, la cual resultaría ser la última en la historia de la banda. Esta gira fue capturada en la película «Stop Making Sense», del director Jonathan Demme, quien posteriormente dirigiría la película «El Silencio De Los Inocentes».

«Stop Making Sense» es considerado como uno de los mejores conciertos de la historia del Rock N’ Roll. La banda presentó los temas más importantes de su quinto álbum «Speaking In Tongues», más lo mejor de los cuatro anteriores lanzamientos. Se destacan la gran interpretación de «Psycho Killer», además de «Take Me To The River», «Life During Wartime», «Once In A Lifetime», «Burning Down The House», entre otros.

Estas grabaciones fueron tomadas por el director Jonathan Demme y el cinematógrafo Jordan Cronenweth durante cuatro shows en el Pantages Theatre de Hollywood, y capturaban al cuarteto en el máximo de su energía. Además, fue la primera película de sonido completamente digital de toda la historia.

El videoclip de «Once In A Lifetime», extraído del concierto, fue seleccionado para promocionar la película a través de distintas señales musicales como MTV, además de haber sido nominado a «Mejor Interpretación En Un Escenario» en la entrega de los MTV Video Music Awards en 1985.

También se lanzó, además de la película, su banda sonora, con los mejores nueve temas de los cuatro conciertos. El disco vendió más de dos millones de copias y lanzó varios sencillos, entre los cuales se destacan «Slippery People», quizás el éxito más grande de la banda en Europa, y una increíble versión renovada de «Girlfriend Is Better» (ambos temas en sus versiones originales se incluían en «Speaking In Tongues»). Gracias a esta filmación, lograron ganar el premio a «Mejor Documental» en los Premios de Críticos del Cine (Film Critics Awards).

Un año después del exitoso «Stop Making Sense», David Byrne comenzó a trabajar en su segundo trabajo solista, esta vez componiendo música para la banda sonora de la obra de teatro de Robert Wilson «The CIVIL warS». El título del disco fue «Music For The Knee Plays», y era mitad instrumental y mitad vocal, al igual que su primer trabajo. La pieza que más se destaca de este trabajo es su último tema, «In The Future». Este álbum nunca se lanzó en formato CD, y actualmente es muy difícil de encontrar su versión original en vinilo, por lo tanto lo hace una rareza.

Más tarde en ese mismo año, 1985, David Byrne recibe en la segunda entrega de los premios MTV Video Music Awards el premio «Video Vanguard Award» (La posición más avanzada en la creación de videos musicales).

También en ese mismo año, Talking Heads lanzó su nuevo trabajo de estudio llamado «Little Creatures», un disco totalmente Pop en donde se dejaba de lado los estilos Rock y Funk que caracterizaba sus anteriores trabajos, especialmente la grabación en vivo «Stop Making Sense». Este disco es, para muchos, el trabajo más accesible de la banda.

Su primer sencillo fue «And She Was», tema muy exitoso que ingresó a varios de los Rankings de Billboard (entre ellos: The Billboard Hot 100, Mainstream Rock Tracks, Hot Dance Music, Club Play Singles, Maxi-Singles Sales). El disco también ingresó al Ranking de los 200 álbumes más vendidos alcanzando la posición 20. El segundo sencillo de este increíble disco fue «Road To Nowhere», una de las mejores composiciones de Byrne acompañada por un muy buen video musical, el cuál estuvo nominado a «Mejor Video del Año» en los MTV Video Music Awards 1986. Entre los videos de «And She Was» y «Road To Nowhere», Talking Heads logró cinco nominaciones en los premios MTV.

Otros sencillos extraídos de este trabajo fueron «Stay Up Late» y «The Lady Don’t Mind», aunque todo el material fue reproducido frecuentemente por radios locales, incluso hasta el día de hoy.

En el año 1986, David escribió, dirigió y protagonizó la película True Stories. Además, escribió y produjo la mayoría de su banda sonora, dejando todo registrado en un LP titulado “Sounds From True Stories”, álbum que nunca se lanzó en CD.

En ese mismo año, el nuevo disco de Talking Heads, también llamado “True Stories”, estaba a la venta. Fue una continuación a Little Creatures, basándose también en música particularmente Pop, y su primer sencillo fue el muy exitoso “Wild Wild Life”.

Aunque David alguna vez dijo que desearía nunca haber cantado el álbum “True Stories”, éste fue muy popular, y el video que acompaña al primer sencillo ganó dos premios MTV en el año 1987, entre ellos Mejor Video de un Grupo y Mejor Video desde una Película, además de haber tenido una tercera nominación a Mejor Concepto.

Para el video fueron invitados varios actores conocidos, los cuáles además trabajaban en la primera película de David Byrne (“True Stories”), además de la participación de los propios miembros del grupo.

El segundo sencillo fue el tema que más se le acercaba al Rock de todo el disco, “Love For Sale”, y, el tema “Puzzlin’ Evidence” ingresó sorpresivamente al ranking Mainstream Rock Tracks de Billboard, alcanzando la posición 19. En este mismo ranking, “Wild Wild Life”, alcanzó como máximo la posición número cuatro. Un suceso interesante relacionado con este álbum se dio con el título del tema «Radio Head», él cuál fue adoptado por Thom Yorke y sus compañeros de banda como nombre de ésta.

Mientras tanto, David Byrne salió en la portada de la prestigiosa revista Time, y fue calificado como el ‘Hombre del Renacimiento del Rock’. En esta portada aparecía el nombre de todos los rubros en los cuales el artista se especializa (cantante, compositor, letrista, guitarrista, director de cine, escritor, actor, artista de videos, diseñador y fotógrafo).

En 1987, Talking Heads lanzaría a la venta su primera compilación musical llamada «Storytelling Giant», la cuál era de los innovadores videos musicales de la banda, desde el año 1980 hasta 1986. El compilado incluía el legendario video de «Once In A Lifetime», además de «Burning Down The House», «Road To Nowhere» y «Wild Wild Life», entre muchos otros. «Storytelling Giant» recibió una nominación a los premios Grammy en la categoría de Mejor Video Extendido. También en este año, David Byrne ya había comenzado a escribir junto a Ryuichi Sakamoto y Cong Su la banda sonora de la película “The Last Emperor” (El Último Emperador), y, en 1988, la grabación ya estaba a la venta.

Esta banda sonora se considera como una de las mejores de todos los tiempos, y David gracias a ella logró ganar varios premios importantes: entre ellos un Grammy, un Oscar de la Academia y un Golden Globe, entre otros.

También en 1988 se estaría lanzando el último disco de estudio de Talking Heads, titulado “Naked”, y en dónde aparecen ciertas características de los primeros álbumes de la banda, mezclados con elementos Pop, los cuáles caracterizaban a sus dos anteriores trabajos.

Los dos sencillos principales del disco, los cuales fueron los excelentes temas “(Nothing But) Flowers” y “Blind” ambos lograron ingresar al ranking Mainstream Rock Tracks de Billboard, y, el álbum, por otra parte, ingresó al ranking Billboard 200 alcanzado la posición 19 de los más vendidos, la mejor desde que “Speaking In Tongues” llegará al puesto 15 en 1983.

De todas formas, “Naked”, a pesar de tener en general muy buenas canciones como los sencillos nombrados, no fue un álbum muy exitoso y es quizás el menos aceptado por los críticos de toda la discografía de la banda.

El año 1988 fue muy productivo para David Byrne: además de haber lanzado la banda sonora de la película The Last Emperor, y el disco «Naked» junto a los Talking Heads, también colaboró con la banda sonora de la comedia de Jonathan Demme «Married To The Mob».

Además, crearía su propia compañía discográfica, Luaka Bop, inspirada en su fascinación por la «World Music» y su experiencia musical adquirida junto a Talking Heads. El objetivo de esta compañía era ofrecerle a las audiencias americanas la posibilidad de conocimiento de la denominada «Música Global».

Un año después, en 1989, David Byrne lanza al mercado su tercer disco solista (sexto si contamos las colaboraciones y bandas sonoras), titulado «Rei Momo«.

Este trabajo es considerado uno de los mejores de la carrera solista de Byrne, y esta basado en bases de ritmos latinos, estilo anteriormente utilizado en el último álbum de Talking Heads, «Naked». El disco incluía una colaboración única junto a Celia Cruz en el tema «Loco De Amor», y, además dos muy buenos temas elegidos como sencillos, llamados «Make Believe Mambo» y «Dirty Old Town».

Estos dos sencillos ingresarían al importante ranking de Billboard Modern Rock Tracks, y, uno de ellos, «Dirty Old Town» sería tocado en vivo en el show Saturday Night Live junto al tema «Loco De Amor».

Para promocionar el disco David inició una gira mundial, la cuál sería su primera desde la del álbum «Speaking In Tongues», entre los años 1983 y 1984, y, además del lanzamiento de Rei Momo, el músico dirigió un documental llamado «Ile Aiyé (The House Of Life)», el cuál se concentraba en rituales de música Dance. En 1990, David colaboró en el álbum a beneficio «Red, Hot & Blue» junto a artistas como Annie Lennox y U2, en la versión de un tema de Cole Porter titulado «Don’t Fence Me In». El tema fue lanzado como sencillo junto a un video promocional.

Para el siguiente año, David Byrne colaboró nuevamente con Robert Wilson (quién había estado involucrado en la obra The CIVIL WarS), en el disco instrumental llamado «The Forest», escribiendo música orquestal. El único sencillo lanzado desde el disco fue títulado «Forestry» y contiene cinco remixes de temas originales del disco instrumental, entre ellos tres versiones diferentes de «Ava», el Mix Industrial de «Nineveh» y la versión del álbum de «Machu Picchu».

En este mismo año Talking Heads anunciaba oficialmente su separación, mientras que dos compilados de la banda eran lanzados: primeramente, el álbum doble «Popular Favorites 1976-1992: Sand In The Vaseline», el cuál contenía los éxitos básicos de la banda además de otras extrañas elecciones tales como «Memories Can’t Wait» del álbum Fear of Music de 1979 y «Mr. Jones», del álbum Naked, entre otras.

En Europa, una versión «reducida» de este compilado se lanzaba a la venta un tiempo después: esta vez en un solo disco, y contenía la versión de Stop Making Sense del tema «Slippery People», el cual no fue incluido en el «Popular Favorites». También una de las últimas fotos tomadas de la banda aparece en la portada de una edición de la revista Rolling Stone, y a Talking Heads se la nombraba como La Mejor Banda de América. Unos años antes, David Byrne sin los demás miembros del grupo había también aparecido en la portada de esta revista.

En ambas compilaciones, se incluía dos temas inéditos y los que serían lanzados como los últimos sencillos de la banda: «Lifetime Piling Up» y «Sax and Violins». Este último llegaría a la primera posición del Ranking de Billboard de los Mainstram Rock Tracks y anteriormente se incluía en la banda sonora de la película «Until the End of the World».

El video musical de «Lifetime Piling Up» es una compilación de varias imágenes de la banda tomadas de sus videos musicales entre 1980 y 1988 y es una rareza estos días. En la primera compilación doble, además de estos temas exclusivos, existían dos más: «Popsicle» y «Gangster of Love», los cuáles nunca fueron lanzados como sencillos.

En 1992, David Byrne graba su nuevo disco solista y primero luego de la separación de Talking Heads, titulado «Uh-Oh». Este álbum sirvió como punto intermedio entre su anterior trabajo vocal «Rei Momo» y el que sería el próximo. Existían temas Rock como «She’s Mad», uno de los sencillos, y temas de estilo latino como el excelente «Hanging Upside Down» o «Something Ain’t Right».

Fue grabado junto a una banda más pequeña de la utilizada para la grabación de «Rei Momo», que incluía en bajo a George Porter Jr. y como vocalistas secundarios a Dolette McDonald y Nona Hendrix.

«She’s Mad» ingresó al Ranking Mainstream Rock Tracks de Billboard, y su video musical fue uno de los innovadores en la categoría de efectos especiales, ganando dos nominaciones a los premios MTV Video Music Awards de ese año. Otros sencillos elegidos fueron «Girls On My Mind» y «Hanging Upside Down», y para promocionar el disco David hizo una mini gira por los Estados Unidos junto a Richard Thompson tocando lo mejor de sus discos como solista, material de Talking Heads y temas escritos por Richard Thompson.

Entre 1992 y 1993, Byrne inició una gira mundial para continuar promocionando el álbum llamada «Monster in the Mirror Tour», y uno de sus conciertos sería registrado en el VHS «Between the Teeth», lanzado en este último año. Es un muy buen registro de los mejores temas de «Rei Momo» y «Uh-Oh», varios temas de Talking Heads e incluso un adelanto, «Buck Naked», tema que sería lanzado en su versión de estudio un año más tarde, en el álbum homónimo de David Byrne.

Para el 20 de mayo de 1994, David Byrne estaría lanzando su próximo álbum solista titulado de una forma muy sencilla, «David Byrne», y fue producido por Arto Lindsay y Susan Rogers. El disco esta considerado por muchos como el mejor álbum de su carrera solista, pero para algunos críticos no es demasiado bueno musicalmente hablando. Su primer sencillo fue una canción mayoritariamente hablada titulada «Angels», muy similar al clásico sencillo de Talking Heads, «Once in a Lifetime», de 1980. En el CD de este sencillo existen tres temas: la versión reducida para radios de «Angels», y las inéditas «Princess» y «Ready For This World». Este sencillo es una de las más importantes rarezas de la carrera de David Byrne, al igual que su extraño video musical.

El segundo sencillo de este álbum homónimo sería el gran «Back in the Box», un tema muy pegadizo y moderno, y el CD de este sencillo contenía 7 temas: 4 versiones de este misma canción, 3 remixadas y la versión del álbum, el tema instrumental de estilo étnico llamado «A Woman’s Secret», y dos temas en vivo: «Cool Water», lanzado en su versión original en el álbum «Naked» de Talking Heads y grabado en el Teatro Keswick de Philadelphia el 20 de julio de 1994, y «Gypsy Woman», una versión cover de un éxito de Crystal Waters grabado en el show Acoustica TV en Milán, Italia.

Al igual que el sencillo de «Angels», este es una rareza y su buen video musical, en formato blanco y negro, es muy difícil de encontrar estos días.

Varios otros sencillos no tan importantes fueron lanzados posteriormente, como «Sad Song» y «Lilies of the Valley», y el álbum ingresó al Ranking de los 200 más vendidos del Ranking de Billboard, al igual que todos los anteriores trabajos solistas de Byrne. El músico hizo una gira mundial para promocionar el álbum llamada «In Constant Motion World Tour», y realizó una presentación en el David Letterman Show tocando el clásico «Big Blue Plymouth», lanzado originalmente en el primer disco totalmente solista de David Byrne llamado «The Catherine Wheel: Complete Broadway Score» de 1981.

Durante 1995 continuo la gira de promoción del disco, y para el año 1996, grabó el tema «Waters of March», originalmente escrito en portugués por Juan Antonio Jobim. El tema lo interpretó junto a la cantante brasilera Marisa Monte, y su video, dirigido por Nelson Enohata, fue grabado completamente en Brasil. Este tema fue lanzado en el álbum a beneficio «Red, Hot and Río», que continuaba la línea del «Red, Hot and Blue» de 1990.

Mientras tanto, durante este mismo año, los miembros originales de Talking Heads invitaron a David Byrne a formar la reunión completa de la banda para grabar un nuevo disco, y esta invitación fue rechazada. De aquí en adelante comenzaron de forma más intensa los distintos rumores acerca de la verdadera razón de la separación de la banda en 1991, pero aún se mantiene como un misterio. A pesar del rechazo de esta invitación, los tres miembros restantes decidieron convertirse en The Heads, para grabar un disco titulado «No Talking Just Head» invitando a distintas personalidades de la música para colaborar con un tema. Entre los invitados se destacan Shaun Ryder y Michael Hutchence, líder de INXS.

Para el próximo año, 1997, David Byrne estaría comenzando una nueva etapa en su carrera musical, involucrándose en estilos de música electrónica y canciones Pop modernas. Las investigaciones de estos estilos fueron registradas en el álbum «Feelings«, lanzado a principios del mes de Junio y que contenía 13 canciones completamente nuevas, un instrumental de aproximadamente 20 segundos, y colaboraciones con Morcheeba, Paula Cole y miembros de la banda Devo.

El primer sencillo del disco, «Miss America», se convirtió en uno de los éxitos más grandes de la carrera solista de Byrne, y fue acompañado por un gran video musical dirigido por Robert Jason y producido por Ethan Wolvek. Además, el disco contenía el tema «Finite=Alright», presentado anteriormente en su gira mundial de 1994. Quizás su presentación más importante durante ese año fue en el programa de televisión Sessions at West 54th, en el cuál realizó un set de música electrónica, incluyendo un DJ en el escenario. Presentó sus mejores temas de Feelings como «Fuzzy Freaky», en el cual Byrne se destacó con su trabajo en extendidos solos de guitarras, «Dance On Vaseline», el sencillo «Miss America», y versiones renovadas de clásicos de Talking Heads, como «Making Flippy-Floppy» y «Take Me to the River».

Durante su presentación, pequeñas entrevistas se le realizaban, y se destacaba la utilización de distintos trajes para cada uno de los temas, técnica que también era utilizada durante los shows en vivo de su gira. El tema que más se destaca de los nueve presentados es el último, una versión totalmente renovada y electrónica de «I Zimbra», clásico de Talking Heads lanzado originalmente en el álbum «Fear of Music» de 1979.

Durante el siguiente año, 1998, David continuó con su gira, y lanzó un álbum exclusivamente en formato CD de versiones remixadas de los mejores temas de «Feelings» como «Dance on Vaseline», «You Don’t Know Me», una excelente versión por parte de New Kingdom de «Wicked Little Doll», y una colaboración con la banda de música electrónica Thievery Corporation. El Remix de Mark Walk & Ruby de «Fuzzy Freaky» fue elegido como sencillo. Fue un disco de versión limitada de 5.000 copias, actualmente se encuentra agotado, y su primera mitad fue vendida durante la gira mundial de «Feelings».

Un gran suceso en la carrera de David Byrne sucedió en este año, y este fue que comenzó a conducir el programa Sessions at West 54th, en el cuál había dado una impresionante presentación un año antes. Tuvo muchos invitados importantes, y estos programas grabados en 1998 se comenzaron a transmitir un año después. Además de conducir el programa, en uno de los episodios hizo una pequeña presentación en vivo junto a The Balanescu Quartet, dónde hizo un cover del clásico de Kraftwerk, «The Model», el gran tema del álbum «Feelings» llamado «Burnt By the Sun», el exclusivo «Dreamworld» y «Memories Can’t Wait», de Talking Heads.

En 1999, colaboró nuevamente para el álbum benéfico «Red Hot and Lisbon», en dónde se incluye un nuevo tema a dúo junto al cantante Caetano Veloso llamado «Dreamworld».

También durante este año, se lanzó el nuevo álbum «In Spite of Wishing and Wanting», que David Byrne produjo para la companía de danza Última Vez, y que contenía nuevas composiciones instrumentales como también remixes del disco «Feelings»: uno de ellos era el Mix de DJ Food de «Fuzzy Freaky», anteriormente incluido en «The Visible Man».

Este trabajo contenía 7 temas, y el último era una versión súper extendida de «Dance On Vaseline», de aproximadamente 20 minutos de duración, elegida, en una versión reducida, como tema de promoción. Un video musical fue creado para este tema en el cuál no aparecía David Byrne en ningún momento, y se mostraban distintos estilos de danzas.

Actualmente, este álbum se encuentra agotado a causa de que estuvo solamente disponible on-line durante un tiempo, y además se podía adquirir en conciertos de David Byrne y de Última Vez.

Otro suceso importante ocurrido ese año fue el re-lanzamiento de la clásica película del concierto «Stop Making Sense» de Talking Heads, en una nueva versión de la banda sonora completamente remasterizada en CD por el DJ Eric ‘E.T.’ Thorgreen, esta vez con los mejores 16 temas de los conciertos, además del lanzamiento del DVD de la película. Todos los integrantes de Talking Heads incluyendo David Byrne se reunieron para el lanzamiento de prensa del CD y del DVD.

También la compañía discográfica EMI Records lanzó la compilación 12×12: Original Remixes, la cual incluye 12 buenos remixes de los temas más importantes de los últimos 3 álbumes de Talking Heads, incluyendo versiones extendidas de «The Lady Don’t Mind», «Televisión Man» y «Radio Head».

En el año 2000, David Byrne colaboró con el álbum benéfico «Mantra Mix» escribiendo el tema «Ain’t Got So Far to Go», además de comenzar a componer los temas para su próximo disco de estudio, el cuál tendría como título «Look Into The Eyeball« y que sería lanzado en los Estados Unidos el 8 de mayo del 2001.

El primer sencillo de este álbum fue del tema «Like Humans Do», y su versión Europea contenía dos temas extras: «All Over Me» y «Princess», anteriormente lanzado en el sencillo de «Angels» en el año 1994. Durante este año, Bill Gates y su compañía Microsoft estaban preparando el lanzamiento de su nuevo sistema operativo Windows XP, y junto a él el nuevo reproductor Windows Media Player 8: David Byrne firmó con Bill Gates para que este tema sea incluido en forma completa en este nuevo programa. También hizo una presentación para promocionar sus nuevos temas en los estudios de Microsoft con una muy buena aceptación.

Este disco fue su primer trabajo en ingresar al Ranking de Billboard de los Top Internet Albums, los cuales son los discos más descargados de forma legal y paga desde Internet. Además, también fue incluido en el Ranking de los 200 más vendidos de Billboard (el último disco en entrar a este Ranking fue «Feelings» de 1997). La versión japonesa de este disco contenía un tema extra titulado «Empire».

Otros sencillos del álbum fueron «U.B. Jesus» y «Desconocido Soy», el cual es un tema escrito en español y a dúo con N.R.U., el cantante del grupo latino Café Tacuba.

Para el año 2002, David Byrne estaría colaborando con el grupo de música electrónica X-Press 2 para la creación del tema «Lazy», el cuál sería incluido en el álbum de X-Press 2, «Muzikizum». El sencillo fue un hit en todo el mundo, llegando a la primera posición del Ranking de Música Electrónica de Billboard, además de ser un éxito número uno en Europa: el músico se presentó en el programa Top of the Pops tocando el tema en vivo, y además inició una gira llamada «The Lazy Eyeball Tour», presentando temas del álbum «Look Into The Eyeball», además de «Lazy», incluido en todas sus shows.

Recién para este año llegaría el reconocimiento más importante para la legendaria banda de David Byrne, Talking Heads: ingresaron al Salón de la Fama del Rock N’ Roll, y la formación original se reunió para tocar cuatro de sus principales temas durante la ceremonia: «Psycho Killer», «Take Me to the River», «Life During Wartime» y «Burning Down the House».

Según el baterista del grupo, Chris Frantz, esta reunión para el show y la presentación en vivo le dio a la banda un final feliz. Hacía más de 15 años que la banda no tocaba en vivo en un escenario, y fue un verdadero momento histórico.

Durante todos estos anteriores años, los demás integrantes hicieron trabajos independientes: Jerry Harrison, el guitarrista y tecladista de Talking Heads, produjo discos de varios artistas como Crash Test Dummies, No Doubt y Foo Fighters, además de lanzar 3 muy buenos discos solistas (dos durante los años 80 y uno en los 90).

Chris Frantz y Tina Weymouth formaron, a principio de los años ochenta, la banda de música Funk llamada Tom Tom Club, que tiene publicado varios discos y sencillos exitosos, y que en el 2002 lanzaron un álbum doble en vivo grabado en los estudios de su casa para una audiencia limitada de invitados amigos. Además, integran desde el año 2001 la banda «animada» Gorillaz, junto al líder de Blur, Damon Albarn.

Volviendo a la carrera solista de David Byrne, para el año 2003 se lanzaría el sencillo final de «Look Into The Eyeball», del tema «The Great Intoxication», que estaría luego acompañado de un excelente video musical dirigido por Jason Archer & Paul Beck.

Para septiembre de este año, David estaría lanzando su nuevo disco solista, la banda sonora de la película de David MacKenzie «Young Adam», un disco mayoritariamente instrumental llamado «Lead Us Not Into Temptation», y que contiene colaboraciones con miembros de Mogwai y Belle & Sebastian.

Sus dos últimos temas, «Speechless» y «The Great Western Road» fueron los únicos temas vocales de todo el álbum, y éste se convirtió en uno de los discos instrumentales más importantes del año 2003.

Para finales de este año, una compilación de lo mejor de Talking Heads llamada «Once in a Lifetime: Boxed Set» y formada por 3 Cd’s y 1 DVD fue lanzada al mercado. Esta completísima compilación incluye lo mejor de todos los discos de Talking Heads, incluyendo nuevas versiones alternativas de clásicos temas de la banda como «New Feeling», «Cities» y «Drugs» con la participación de Robert Fripp en guitarra, versiones extendidas de los sencillos del álbum «Speaking in Tongues», y un tema nunca antes lanzado en ningún disco de la banda llamado «In Asking Land» (una versión previa de la canción que se convertiría en «Carnival Eyes», incluida en el disco solista de David Byrne, «Rei Momo» de 1989).

En el DVD de la compilación, se incluyen 13 de los mejores videos musicales de la banda, además del exclusivo «Sax and Violins» nunca antes transmitido en televisión, a pesar de haber sido un sencillo lanzado en el año 1992. Este DVD se considera como la versión extendida del VHS «Storytelling Giant» lanzado originalmente el 1987. También incluye los videos extraídos del álbum «Naked» de 1988 de los temas «Blind» y «(Nothing But) Flowers», los cuáles nunca antes habían sidos lanzados en ninguna compilación de video.

En el año 2004, se lanzó a la venta el nuevo trabajo como solista de David Byrne titulado «Grown Backwards«, y para promocionarlo David comenzó una gira mundial junto a The Tosca Strings, presentando generalmente pocos temas de este trabajo pero muchos de toda su carrera, incluyendo «Marching Through the Wilderness» de Rei Momo, y muchos cortes de «Look Into the Eyeball». Sorpresivamente ningún tema de su álbum homónimo fue incluido a excepción de «Sad Songs» en pocas ocasiones, pero si existieron muchos clásicos de Talking Heads.

Este disco es una continuación de los estilos musicales que el músico comenzó a explorar en su anterior trabajo vocal del 2001. El primer tema de este álbum es «Glass, Concrete & Stone», una canción que anteriormente fue incluida en la banda sonora de la película «Dirty Pretty Things» del 2002.

Utiliza estilos musicales muy variados, como Pop, Rock, Funk, Jazz, Dance, Country e incluso estilos de Ópera para dos de los temas: «Au fond Du Temple Saint» de Bizet, e interpretado junto al músico contemporáneo Rufus Wainright, y «Un di Felice, Etérea», de Giuseppe Verdi. Dentro del estilo del Funk y del Pop, podemos encontrar el gran ritmo de «Dialog Box» o de «Pirates», y, el corte de difusión «The Other Side Of This Life» (el cuál tocó en vivo en el David Letterman Show), y, dentro del Jazz se encuentra «She Only Sleeps», él cuál también incluye estilos de Rock.

Además, se incluye una versión renovada del tema «Empire», que, originalmente se lanzó como tema extra en la versión japonesa del álbum «Look Into The Eyeball» del 2001, y una nueva versión remixada del éxito “Lazy”. El álbum ingresó al Ranking de los 200 más vendidos de Billboard, y sus giras para promocionarlo agotaron teatros y estadios por todo el mundo, haciéndola quizás la gira más importante de toda su carrera.

Aparte del lanzamiento de este disco solista de David Byrne, también se lanzaron dos álbumes relacionados con Talking Heads: la versión remasterizada y extendida del álbum en vivo de 1982 llamado «The Name of This Band is Talking Heads», la cuál casi duplicaba la duración del LP original siendo la primera vez que estos temas en vivo se lanzaron en formato CD; y «The Best of Talking Heads», un álbum con los mejores 18 temas de la banda remasterizados y elegidos por sus propios miembros. En esta compilación se incluyen «Psycho Killer», «Take Me to the River», «And She Was» y «Wild Wild Life», entre otras raras selecciones como «Found a Job» y «Houses in Motion».

A finales de este año, David Byrne lanzó al mercado su primer DVD de un concierto en vivo como solista, llamado “Live at Unión Chapel”. Este concierto fue grabado en una importante iglesia de Londres, y una versión con sus mejores temas fue transmitida por la señal BBC.

Fue grabado en el año 2002 durante uno de los conciertos de su gira “The Lazy Eyeball Tour”, y contiene solo un tema del álbum “Grown Backwards”, él que en aquel tiempo era el adelanto del disco: “Un di Felice, Etérea”. Además, aparecen clásicos de Talking Heads como por ejemplo “Sax and Violins”, y varios temas de “Look Into the Eyeball”.

Un suceso “importante” ocurrido también durante el año 2004 fue cuándo David Byrne apareció haciendo de sí mismo en el episodio “Dude, Where’s My Ranch?” de The Simpsons.

Para principios del 2005, David Byrne colaboraría con Thievery Corporation en su nuevo disco “The Cosmic Game”, aportando letras y vocales a uno de los temas que sería elegido como sencillo: “The Heart’s a Lonely Hunter”. Su sencillo contenía una serie de Remixes del tema, y tan solo luego de un corto tiempo colaboró también con Fisherspooner, en el tema “Get Confused”.

Durante el año 2005, David Byrne no lanzó ningún material solista pero terminó con su gira mundial de promoción del disco “Grown Backwards”. Sin embargo, Talking Heads si apareció bastante: la banda lanzó “Brick”, una caja que incluía toda la discografía de la banda, remasterizada, con temas y videos extras. Los encargados del remasterizado y, en algunos casos, remixado de los temas fueron Jerry Harrison y el DJ Eric ‘E.T.’ Throngren.

Gracias a estas compilaciones y a su increíble calidad de sonido, la banda fue la gran ganadora en la entrega de los premios Music Surround Awards, llevándose cuatro de los importantes premios. Se espera que para el año 2006, cada uno de los discos del grupo salga de forma individual totalmente remasterizados como se pueden encontrar en la caja.

Discografía

Álbumes

• 1981 – ‘My Life in the Bush of Ghosts (Con Brian Eno)’
• 1981 – ‘The Catherine Wheel: Complete Broadway Score’
• 1985 – ‘Music for the Knee Plays’
• 1986 – ‘Sounds from True Stories’
• 1988 – ‘The Last Emperor (Con Ryuichi Sakamoto & Cong Su)’
• 1989 – ‘Rei Momo‘
• 1991 – ‘The Forest’
• 1992 – ‘Uh-Oh‘
• 1994 – ‘David Byrne’
• 1997 – ‘Feelings‘
• 1998 – ‘The Visible Man‘
• 1999 – ‘In Spite of Wishing and Wanting’
• 2001 – ‘Look Into The Eyeball‘
• 2003 – ‘Lead Us Not Into Temptation‘
• 2004 – ‘Grown Backwards‘

Videografía

Videoclips

• 1981 – «America is Waiting» (Con Brian Eno) (Dir.: Bruce Conner)
• 1989 – «Make Believe Mambo» (Dir.: David Byrne)
• 1989 – «Dirty Old Town» (Dir.: David Byrne)
• 1990 – «Don’t Fence Me In» (Dir.: David Byrne)
• 1992 – «She’s Mad» (Dir.: David Byrne)
• 1992 – «Girls On My Mind» (Dir.: David Byrne)
• 1992 – «Hanging Upside Down» (Dir.: David Byrne)
• 1994 – «Angels» (Dir.: David Byrne)
• 1994 – «Back in the Box» (Dir. David Byrne)
• 1996 – «Waters of March» (Con Marisa Monte) (Dir.: Nelson Enohata)
• 1997 – «Miss America» (Dir.: Robert Jason)
• 2002 – «Lazy» (Con X-Press 2) (Dir.: Howard Shur)
• 2002 – «The Great Intoxication» (Dir.: Jason Archer & Paul Beck)

VHS / DVD

• 1986 – ‘True Stories’
• 1989 – ‘Ile Aiyé (The House of Life)’
• 1992 – ‘Between the Teeth’
• 2004 – ‘Live at Unión Chapel’

Enlaces externos

• Sitio Oficial: DavidByrne.com (En Inglés)
• Jornal de David Byrne (En Inglés)
• Sitio No-Oficial (En Inglés) talking-heads.net
• Radio David Byrne
• Letras de canciones de David Byrne (En Inglés)

Continuará…con Robert Wyatt

Wim Mertens

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Biografia

Wim Mertens, compositor belga nacido en 1953, estudió en el Conservatorio de Bruselas y se graduó en Ciencias Políticas y Sociales y en Musicología. Mertens toca el piano y la guitarra clásica. Y a veces canta en una característica tonalidad aguda, utilizando un lenguaje personal e imaginario.

Desde 1980 ha compuesto muchas obras en diferentes formatos, desde canciones cortas y accesibles a ciclos complejos de tres y cuatro partes, y desde diferentes formaciones de cámara a solos de piano. Wim Mertens compone también para obras de teatro y películas.

Ha editado más de 25 álbumes (todos ellos dentro del sello belga «Les Disques du Crépuscule»). Entre los primeros álbumes que grabó se encuentra uno de los que hoy en día sigue siendo un clásico «Close cover»..

En octubre de 1981 grabó un maxisingle con el título de “At home/Not al home”, dos piezas con orientación clásica acompañado por el saxofonista Peter Gordon. El LP “Vergessen” lanzado en 1982, incluye seis obras con varios instrumentos y dio pie a la evolución de Mertens como compositor.

“Mertens pasó el verano de 1984 componiendo música para teatro, para la obra “The Power of Theatrical Madness”, de Jan Fabré, de gran polémica. Este doble LP “Maximizing the Audience” se lanzó en la primavera de 1985. La música de “Maximizing” tiene una cualidad narrativa que marca la evolución de canciones instrumentales a vocales e ilustra el interés creciente hacia la voz humana. Mertens, consciente de la calidad corrupta que puede llegar a tener el lenguaje, crea la parte vocal con sonidos no semánticos que recuerdan al francés antiguo o latín. El ambiente espiritual que sugieren estas piezas es comparable a los cánticos gregorianos. “Maximizing the Audience” fue presentado por pimera vez en el Royal Albert Hall de Londres.

El año siguiente, 1986, dio cabida a “A Man of no fortune and with a name to come”, seis piezas para piano solo y vocales. El lanzamiento fue acompañado por conciertos en Francia, Holanda, Bélgica, España, Japón, Estados Unidos y Gran Bretaña.

Tras sus conciertos en New York, Los Angeles y Houston, el sello especializado Windham Hill editó un recopilatorio para el mercado norteamericano. Poco después el director de cine inglés Peter Greenaway le pidió que compusiera la banda sonora para su película “The Belly of an Architect”, filmada en Roma. El director seleccionó cuatro composiciones antiguas además de la que había hecho expresamente para la película.

En el año 2000, después de que en el anterior se marcara un hito importante con la publicación de la triología”Integer Valor-Intégrale”, que reunía lo que Wim Mertens había compuesto en los últimos 5 años, se publicaron dos nuevos trabajos, uno de los cuales, “If I Can”, que vio la luz en febrero, reunía composiciones anteriores, publicadas esta vez de forma nueva y original.

En 2001 vieron la luz una nueva edición de “At home , not a t home” y su proyecto “Arens Lezen”, en el que reúne 13 Cds en formato de 4 cajas, y en el que recoge su música más pura, canciones recogidas en su viaje hacia la esencia de la música.

Y también en el año 2001 salió a la venta “Der Heisse Brei”, sexto álbum de Wim Mertens con composiciones sólo para piano y voz, trabajo y formación que presentará en su próxima gira. Un trabajo melodioso, de gran belleza, en el que la voz es más que nunca un instrumento emocional. Siempre delicada y respetuosa, la música de Mertens fluye aquí de forma natural, casi orgánica.

En diciembre de 2003 salió a la venta el penúltimo álbum internacional de Wim Mertens, Skopos. El estreno de «Skopos» tuvo lugar el 14 de Julio de 2002 en el castillo de Gaasbeek, Bélgica. Fue interpretado por Wim Mertens Ensemble, con 12 músicos. En la versión de estudio el compositor explora nuevos registros.

Skopos es una palabra griega, que significa «alcanzar», «lograr un objetivo», o «una línea musical seguida por la melodía» El álbum se refiere a lo que podemos ver, lo que podemos oír, todo lo que puede ser oído e interpretado, está «a nuestro alcance». Mientras que la profunda resonancia y tonos de las composiciones se refieren a lo que «no podemos alcanzar», lo que no es palpable, lo que no es necesariamente visible o perceptible, o oíble, está «fuera de nuestro alcance».

Ahora, en 2005, cuando se cumplen sus 25 años de carrera (1980-2005), Wim Mertens nos invita a un viaje a su percepción orquestral. «Un respiro», el nuevo album en solitario de Mertens presenta 10 nuevas composiciones, a menudo muy rítmicas, compuestas para dos pianos y dos voces, todo ello interpretado por él mismo. «Un respiro» muestra la pasión de Mertens por la voz, no sólo como instrumento sino como guía para el piano, en una continua búsqueda de la máxima expresión. Y demuestra que hoy en día la composición puede estar estrechamente ligada a la propia performance, y cómo esa performance y la interpretación se conjugan para crear un acontecimiento único.

 

 

Continuará …con…David Byrne

Robert Fripp

Robert Fripp: Disciplina como método

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No es el lugar ni el momento de recordar la trayectoria de uno de los grupos más importantes de la historia del rock: King Crimson [KC]. Desde estas páginas ya se ha hecho y de una manera harto profusa (véase José Boix, «La Corte de los Milagros», Ruta 66, núm. 84, mayo 1993). Baste recordar un breve párrafo: «Ampulosos en ocasiones, casi siempre monumentalistas, Robert Fripp y sus súbditos del reino escarlata marcaron la pauta del art-rock británico conciliando la lírica psicodelia con un fructífero sentido del vanguardismo. Fueron la excepción de la regla sinfónica y durante casi dos décadas facturaron música imponente y arriesgada, no por pretenciosa menos significativa». Pero esto en cuanto a los años que van de 1968 a 1984, desde que KC se formó hasta que «hibernó» por tercera vez. El caso es que Crimson ha vuelto a renacer. Y esto hay que tenerlo en cuenta.

Robert Fripp: la disciplina hecha música

KC es -evidente a estas alturas de la historia del rock- un traje hecho a la medida de Robert Fripp. Fripp es el aglutinante, el catalizador, el motor… Es el que aparece en todas la formaciones desde el lejano 1969. KC es el medio utilizado por Robert Fripp para dar salida a un tipo de música que de ningún otro modo podría ver la luz, si no fuera bajo el nombre de KC.

Cuando en 1974 Robert Fripp sentenció que «King Crimson ha dejado de existir», pocos daban un duro por él sin la banda. Poco a poco, cuando el paso del tiempo empieza a poner las cosas en el verdadero lugar que les corresponde, se empieza a crear el mito de KC, pero de Fripp, nada de nada. Por ejemplo, un disco que ahora, con el paso del tiempo, es considerado una pieza clave en la música electrónica de este final de siglo (ambient, techno…) cuando se editó (en 1973 y con el mejor KC en escena) casi pasó sin pena ni gloria y con pocos que entendieran de qué iba el asunto. Se trata de No Pussyfooting, de Fripp & Eno. «¿Cómo un guitarrista de tanta fama puede haberse unido a un tipo estrafalario, lleno de purpurina y rímel cuando tocaba los teclados en Roxy Music, para crear un disco tan monótono, lineal y aburrido?», se preguntó el personal.

Fripp anunció, tras la desaparición de KC, que «el segundo nivel del camino es una organización pequeña, móvil, varias unidades inteligentemente entrelazadas para crear un marco que reemplace los dinosáuricos modelos de organización». Es decir, atrás deben quedar los «grandes grupos» (siempre se señala a Yes, a ELP y también a Genesis, pero había otros), las grandes discográficas y los grandes negocios, y su lugar lo deben ocupar pequeños grupos, unidades pequeñas, móviles… Pocos lo entendieron. Pero después surgió el punk y él mismo «creó» organizaciones pequeñas, móviles… Todas las entrevistas que daba -y que da- estaban plagadas de respuestas que, más que dar respuesta, lo que hacían era sentenciar a partir de la teorización de lo que ocurría en un mundo, el del rock, que pocos se lo tomaban en serio. Y él se lo tomaba muy en serio. Y se lo continúa tomando.

Volvió a ser incomprendido con el segundo disco junto a Eno (Evening Star), pero empezó a ser respetado cuando colaboró en el primer disco de Peter Gabriel, cuando le produjo el segundo, cuando colaboró con David Bowie en Heroes, cuando produjo el primer disco en solitario de Daryl Hall (del dúo Hall & Oates) y cuando en Nueva York se hizo ver más de lo habitual en él, en actuaciones de Blondie (¡sí, Blondie!), de Talking Heads, de The Roches, de The B-52’s (¡sí, The B-52’s!)…

Y en 1979 Fripp publicó su primer disco en solitario: Exposure, que debe ser considerado -en palabras del mismo Fripp- una autobiografía musical. Un disco en el que aparecen todas las características de la música de Robert Fripp (y de KC) y una larga lista de colaboradores: Barry Andrews (de XTC), Phil Collins, Brian Eno, Peter Gabriel, Daryl Hall, Peter Hammill, Tony Levin, Jerry Marotta, Terre Roche (de The Roches, grupo de folk-rock al que Fripp ha producido dos álbumes), Chris Stein (líder de Blondie, que hizo la portada de Exposure)…

En los textos que acompañan a Exposure se exponen una serie de cuestiones a tener en cuenta: el álbum había de ser la tercera entrega de una trilogía «más orientada hacia el rock» y formada junto a Sacred Songs de Daryl Hall y Peter Gabriel II, pero «por el retraso de los dinosaurios» fue imposible que esta idea se llevara a cabo. Por lo tanto, Exposure pasó a ser el primer disco de otra trilogía (Drive to 1981), únicamente formada por obras de Fripp y que además estaría constituida por un disco de «frippertronics» y otro de «discotronics» (o «la experiencia musical resultante del intersticio entre los frippertronics y la música disco»).

La verdad es que Drive to 1981 tuvo cinco capítulos: el primero, Exposure; el segundo, God Save The Queen (el disco de frippertronics), y el tercero, Under Heavy Manners (el de discotronics), acabarían como las dos caras del mismo disco; el cuarto, Let The Power Fall (un disco completo de frippertronics y que empieza donde termina God Save…); y el quinto, The League Of Gentlemen (un disco completo de discotronics y que empieza donde termina Under Heavy…), aparece firmado como grupo, un grupo que sólo duró una gira y un año y del que hace poco se ha publicado un CD en directo de aquella época: Thrang Thrang Gozinbulx.

Drive to 1981 muestra, tras el paso de los años y tras las revisiones de todos los capítulos editados en forma de disco (Exposure se mantiene casi tal cual y los otros tres discos son revisados y remezclados en el elepé God Save The King), que detrás de las teorías que pululan por el cerebro de Robert Fripp hay toda una manera de entender la música que va desde lo más electrónico y los más experimental hasta lo más pop y rock, vistos desde un punto de vista comercial y sin perder una brizna de calidad. Exposure y God Save The King (éste visto como una antología revisada) son dos obras que muestran y demuestran de qué es capaz.

Tras este periodo de 1977 a 1981, siguió el que Fripp llamó en principio Incline to 1984. Pero los planes se alteraron. El grupo que debía ser conocido como Discipline pasó a llamarse King Crimson, debido a la intensidad crimsoniana que transpiraba la música y el grupo. Así nació la conocida tercera etapa de KC. Una etapa que vuelve a demostrar qué ocurre siempre con sus discos : apreciados correctamente cuando han pasado algunos años desde que se editaron. Sólo hace falta escuchar Three Of A Perfect Pair.Antes de que Crimson volviera a dejar de existir (por tercera vez), entre disco y disco Robert Fripp tuvo tiempo de editar dos álbumes junto a Andy Summers, el guitarrista de The Police. Si antes fue Fripp quien colaboró con otros músicos y entonces fue respetado, ahora le toca el turno a Andy Summers. Los dos discos, I Advance Masked y Bewitched, muestran dos virtuosos de la guitarra y de multitud de instrumentos en plenitud de facultades a la hora de componer: todo tipo de influencias y todo tipo de estilos convergen en dos discos que hay que digerir con mucho cuidado por lo imprevisto de las composiciones: más allá de la New Age cuando aún no existía y más allá de la Lounge Music más hortera. Cuidado.

Tras la tercera disolución de KC, Fripp se dedicó a «permitir que el futuro se presentara por sí mismo». Y el futuro se le presentó de dos maneras: los seminarios de Guitar Craft y la cantante Toyah, que se convirtió en su esposa.

Como presidente del Instituto de Educación Contínua (una sociedad con sedes en Inglaterra y Estados Unidos y cuyo fundador, J.G. Bennett, aparece en discos de Fripp con peroratas del estilo «Es imposible conseguir placer sin sufrir»), Robert Fripp trabajó en la organización de unos seminarios de guitarra: Guitar Craft, que empezaron en 1985. Guitar Craft eran algo más que unos cursos de guitarra que iban de los más elemental a lo más profesional. En resumen y como conclusión a toda la filosofía de Guitar Craft: tocar la guitarra es algo intangible e incontrolable. La música tiene fuerza por sí misma, y lo único que tienen que hacer los músicos es dejarse llevar, aprendiendo a ser un instrumento sensible para que la música se manifieste a través suyo como si se tratara de un instrumento. Prueba de todo ello son los diez años de Guitar Craft por todo el mundo y los excelentes guitarristas que han salido o se han dado a conocer gracias a estos seminarios. Dan fe de los resultados obtenidos los discos de Robert Fripp & The League Of Crafty Guitarists y los grupos surgidos de Guitar Craft y que aparecen en el catálogo de Discipline Global Mobile [DGM]. De buenas a primeras, se ha creado todo un estilo de hacer música con la guitarra.

En cuanto a su esposa, Toyah Willcox, además de los asuntos propiamente sentimentales, en 1986 ella y su marido publicaron un insólito álbum: The Lady Or The Tiger?. En cada cara de este disco Toyah recita, con el fondo de guitarras de Robert Fripp & The League of Crafty Guitarists, una obra de F.R. Stockton (un escritor americano del siglo XIX en cuya residencia, propiedad del Instituto de Educación Contínua, se realizaron cursos de Guitar Craft). La siguiente colaboración junto a Toyah fue la formación del grupo Sunday All Over The World [SAOTW], en el que además de ellos dos estaban Trey Gunn y Paul Beavis. SAOTW realizó una gira y en 1989 publicó su único elepé: Kneeling At The Shrine. El disco y el grupo supone la vuelta de Fripp al pop-rock con canciones más o menos convencionales pero arropadas por una instrumentación sublime, por un juego de filigranas a la guitarra y por la chirriante voz de Toyah.

Después le llegó, a Fripp, el turno a un trienio dedicado a colaboraciones en discos de otros músicos y a la reedición, todo a cargo de él mismo, de todo el material de KC en «ediciones definitivas» en CD y en también definitivas antologías: cuatro CD reunidos en Frame By Frame y otros cuatro CD con conciertos de 1973-1974 en The Great Deceiver.

Así las cosas, en 1992 se abre una nueva etapa en la trayectoria de Robert Fripp con una gira por el Japón y con la edición (en 1993) del disco The First Day, junto a David Sylvian, ex-cantante de Japan: una obra maestra de rock que nos devuelve un Fripp lleno de facultades a la guitarra. En esta etapa (a la que hay que añadir una gira casi mundial y la edición de un CD en directo, Damage) Fripp es reconocido como una pieza imprescindible con el auge de la música techno y sus acólitos. Prueba de ello son sus colaboraciones con The Grid y The Future Sound Of London (que también remezclaron en un mini-CD Darshan, la pieza clave de The First Day), el disco FFWD (grabado junto a personal de The Orb) y, finalmente, la edición de The Essential Fripp & Eno, una antología de todo lo publicado y lo inédito grabado por ellos dos.En medio de esta etapa, Robert Fripp tuvo tiempo para seguir con los asuntos de Guitar Craft. Pero desde otro punto de vista. Entre 1992 y 1993 se reunió con los miembros de The California Guitar Trio (un trío de guitarras surgido de los seminarios de Guitar Craft) y con Trey Gunn (otro alumno aventajado de Guitar Craft, ex miembro de SAOTW y futuro miembro de KC) para dar una serie de conciertos y que surgiera The Robert Fripp String Quintet, un quinteto de cuerda que después de actuar en Japón, Argentina y California editó The Bridge Between. Este CD está repleto de música sencillamente hermosa, con composiciones originales o versiones de Bach y con un largo tema plagado de frippertronics que conceptúa lo que años más tarde Fripp daría en llamar «soundscapes».

Con el nacimiento de Discipline Records, que daría lugar a DGM; con el nombre de Robert Fripp omnipresente, que colabora con grandes nombres del techno y en obras maestras del rai, como Sidi Mansour de Rimitti; y con los rumores de que en 1994 vería la luz material inédito de KC de 1968-1972 y 1981-1984 y un nuevo trabajo de un nuevo King Crimson; así las cosas, pues, ve la luz a finales de 1994, tras diez años de sequía, el nuevo disco: VROOOM.

King Crimson: «Pero sigo siendo el Rey»

En 1986-1987 Robert Fripp ya pensaba en la vuelta de KC. Fripp escribió música para la versión cinematográfica de la ciberbiblia Neuromancer, la novela de William Gibson; y esta música, según Fripp, era claramente crimsoniana, incluso llegó a componer una especie de Larks’ Tongues In Aspic Part IV (que más tarde recuperaría), pero el proyecto de película se vino abajo y la música continuó inédita.Desde 1990 Fripp gestionaba la vuelta con los otros tres miembros de la última etapa crimsoniana (Bill Bruford, Tony Levin y Adrian Belew), que mostraron interés por el renacimiento, pero problemas contractuales no hicieron posible que el nuevo material de KC no viera la luz hasta finales de 1994. Así pues, King Crimson nació por cuarta vez el 18 de abril de 1994 (justo cuando Bruford terminaba el contrato con EG Records), y ahora como sexteto. La idea de «doble trío» le vino a la cabeza a Fripp como una intuición, que acabó cuajando de la siguiente manera: las guitarras de Robert Fripp y Adrian Belew (también voz), los bajos y sticks de Tony Levin y Trey Gunn (que ya había acompañado a Fripp en Guitar Craft, SAOTW, Sylvian & Fripp y The Robert Fripp String Quintet) y las percusiones de Bill Bruford y de Pat Mastelotto (que había trabajado con Sylvian & Fripp).

La música de este nuevo KC, evidentemente crimsoniana, surgió más endurecida y compacta, y sin resquicio para cualquier pequeño fallo (a no ser el gusto musical). Seis instrumentistas de semejante talla y currículo no podían fallar. Y no fallaron. Mezclaron nuevas (el stick, los soundscapes, las percusiones) y viejas (melotrón y otros instrumentos «clásicos») tecnologías y la segunda y tercera etapa de KC para crear un conglomerado sin resquicio alguno para el descanso del oyente.

El mini-elepé VROOOM, considerado por el grupo «más una tarjeta de visita que una carta de amor para los que escuchen el disco», resume a la perfección esta cuarta etapa. A nuestro parecer, es la obra imprescindible ya que muestra, de una manera aún fresca (grabado en cinco días y mezclado en quince), de qué son capaces los seis miembros de KC y todos los caminos que el grupo cultiva en esta etapa: baladas, melodías, paranoia e instrumentales improvisados y sin improvisar duros como el acero. Seis canciones que primero confunden al oyente pero que poco a poco lo atrapan sin remisión ni compasión.El disco se presentó, antes de que se editara, en Buenos Aires. El testimonio fonográfico de la velada existe ya que en 1995 DGM lo publicó con el título B’Boom y con el chascarrillo Official Bootleg, ya que está grabado con DAT ante la mesa de mezclas (no desde ella) y editado tal cual. Este concierto muestra a un grupo conjuntado y que presenta nuevas canciones (las del entonces todavía inédito VROOOM y las del aún más inédito THRAK ) junto a composiciones de la segunda (Red, The Talking Drum y Larks’… II) y, sobre todo, de la tercera etapa. Poca cosa cabe decir más: un concierto y una grabación correctos, que debió sorprender más en vivo teniendo en cuenta: a) los más de diez años que separan esta primera actuación de la cuarta etapa del último concierto de la etapa anterior, y b) al desconocimiento del público de muchas composiciones que allí se tocaron.

Después de la breve gira por Argentina, en el ultimo trimestre de 1994 KC se encerró en los Real World Studios, de Peter Gabriel, para grabar un álbum entero, THRAK, con piezas regrabadas de VROOOM y material nuevo. THRAK es un disco más trabajado que VROOOM, más conceptual, en el que se mezclan todas las vertientes expuestas en VROOOM de una manera admirable. KC, con este par de discos, se vuelve a ganar el respeto merced a huir de la música acomodaticia, agradable y plagada de clichés y estereotipos para dar un paso adelante y abofetear, con composiciones hirientes, investigadoras, extremistas y sin concesiones, a los que esperaban la vuelta de unos dinosaurios paquidérmicos anclados en el pasado y dedicados a vivir de las rentas de «grandes éxitos» (¿ELP, Deep Purple, Jethro Tull…?). De ahí que últimamente Fripp se sienta orgulloso de que VROOOM haya sido tildado de indie rock, a lo que él añade que «probablemente King Crimson siempre lo ha sido».

Un año después de la extensa gira por Europa, EEUU y Japón de 1995, DGM editó un vídeo oficial de KC en Japón (el primer video «oficial» del grupo, que sepamos) y un CD anhelado por los todos los fanáticos de KC que habían acudido a los conciertos y que en el fanzine electrónico ET habían hecho llegar su deseo de que se editaran las improvisaciones de esos conciertos. Después de conversaciones y discusiones en el seno del grupo, se editó THRaKaTTaK: casi una hora de thrakking; es decir, de las improvisaciones que forman parte de la interpetación de la canción Thrak en directo. THRaKaTTaK responde a todas esas expectativas y más desde el punto de vista que las improvisaciones en directo de KC siempre han sido lo más alabado de todo su quehacer sobre un escenario. No obstante, cabe decir que toda una hora de thrakking puede ser analizada respondiendo a las siguientes preguntas:
a) ¿se añoran las improvisaciones de la época 1973-1974, algunas de ellas editadas en la recopilación The Great Deceiver ?;
b) ¿se hace patente la cohesión y el buen entendimiento de todo el grupo, así como el dominio de las tablas y de la improvisación?;
c) ¿las improvisaciones aún provienen del horror y del pánico, como dijo David Cross en 1974?;
d) ¿toda una hora de improvisaciones es demasiado?, ¿es mejor escuchar THRaKaTTaK a pequeños sorbos y no de un solo trago largo?

Hasta aquí la historia de una cuarta etapa de tan sólo dos años y en la que KC ha editado mucho, comparado con otras etapas. Ello responde al dominio absoluto de todo lo que gira alrededor del grupo merced a DGM. De esta manera el penúltimo capítulo se cierra con la edición de un viejo deseo de Robert Fripp: un álbum de versiones de la canción más famosa de todos los KC: 21st Century Schizoid Man. Se trata de un mini-CD con seis versiones de esta canción: la versión original, una versión corta editada en antologías y tres versiones en vivo: una inédita de 1969, una versión de 1972 (la incluída en el ahora inencontrable y descatalogado álbum Earthbound) y una versión de 1974 (incluida en USA, disco que es previsto que sea reeditado en la primavera de este año). Este viejo deseo de Fripp hecho realidad responde, según el mismo Fripp, a una serie de preguntas: «¿Es un single?, ¿Es un álbum?, ¿Se puede escuchar? Seis años de Schizoid Man por tres diferentes formaciones de KC en cuatro localizaciones diferentes y en tres lugares y épocas diferentes = intensidad».intensidad». El penúltimo capítulo, por ahora, es la tan esperada, y anunciada, edición de Epitaph, un doble álbum con un magnífico libreto con suculentos artículos de los componentes de KC y de la época y con material musical de 1969 de la primera formación (Fripp, Lake, McDonald, Giles y Sinfield): grabaciones en vivo en los estudios de la BBC, en las salas Fillmore americanas y el último concierto de esta formación de KC. Todo el material es sorprendente, con canciones clásicas conocidas y otras no editadas oficialmente, algunas de gran calidad musical y de grabación. Pero este doble álbum es posible ampliarlo con dos compactos más. Este par de CD sólo están disponibles directamente en DGM, debido a que Fripp considera que la calidad de sonido no llega a lo deseable, a pesar del excelente trabajo realizado de investigación y orfebrería técnica a partir de viejas grabaciones o de añejas ediciones de vinilos piratas.

Valga como anécdota que la edición de Epitaph ha permitido, por primera vez en muchos años, la aparición pública de los cinco componentes de este primer KC en una tienda del centro de Manhattan. Parece ser que Fripp y Sinfield sonrieron juntos, que los cinco firmaron copias y que se intuye que ven con buenos ojos los derechos de autor que a buen seguro cobrarán.

Así pues, Epitaph, grabaciones en vivo de la primera formación de KC de 1969, debe figurar al lado de The Great Receiver, con conciertos de 1973-1974, junto a los que pronto debería añadirse un álbum de grabaciones de la tercera etapa crimsoniana (1981-1984), sin olvidar conciertos de la época de Earthbound (1971-1972). Junto a ellos, los recientes y ya citados B’Boom y THRaKaTTaK, de la cuarta época.

Por ahora esta historia se cierra con un último capítulo: la anunciada publicación de USA II, una edición ¿remasterizada, completa, inédita? del disco en directo de KC de 1975 (previsto para este año) y el deseo de que también  se editen vídeos de todas las etapas del grupo. Ahora, Robert Fripp, con su pequeña, móvil e independiente compañía discográfica, DGM, se lo puede permitir. Se lo agradeceremos

Date	ALBUMS / Singles
1973 November	NO PUSSYFOOTING
1975 December	EVENING STAR
1979 April	EXPOSURE
1979	FOUR FROM EXPOSURE (EP)
1979	North Star
1979 December	Silent Night
1980 March	GOD SAVE THE QUEEN / UNDER HEAVY MANNERS
1980	Under Heavy Manners
1981	THE LEAGUE OF GENTLEMAN
1981 April	LET THE POWER FALL
1981	THE WARNER BROS. MUSIC SHOW: THE RETURN OF KING CRIMSON
1982 October	I ADVANCE MASKED
1982	I Advance Masked
1984 March	BEWITCHED
1984	Parade
1985 June	NETWORK (EP)
1985	GOD SAVE THE KING
1986	ROBERT FRIPP & THE LEAGUE OF CRAFTY GUITARISTS LIVE
1989	HOW I BECAME A PROFESSIONAL MUSICIAN
1991 April 30	SHOW OF HANDS
1993	KINGS
1994 April 5	THE ESSENTIAL FRIPP AND ENO
1994 July 1	THE BRIDGE BETWEEN
1994 December 30	1999
1994/95	FFWD
1995 December 6	INTERGALACTIC BOOGIE EXPRESS
1995 December 6	A BLESSING OF TEARS
1996 May 28	RADIOPHONICS
1997 March 18	THAT WHICH PASSES
1997 April	NOVEMBER SUITE: LIVE AT GREEN PARK STATION
1997 June	THE GATES OF PARADISE
1997 September	PIE JESU (EP)
1999 November 9	REPERCUSSIONS OF ANGELIC BEHAVIOR
2000 August 22	A TEMPLE IN THE CLOUDS
2002 June 18	DAMAGE
2005 April 5	THE EQUATORIAL STARS